开篇：写作不仅是一种记录，更是一种创造，它让我们能够捕捉那些稍纵即逝的灵感，将它们永久地定格在纸上。下面是小编精心整理的12篇艺术美论文，希望这些内容能成为您创作过程中的良师益友，陪伴您不断探索和进步。
黑格尔在他的《美学》中提到，“就它的最高的职能来说，艺术对于我们现代人已是过去的事了。因此，它也已丧失了真正的真实和生命，已不复能维持它从前的在现实中的必须和崇高地位，毋宁说，它已转移到我们的观念世界里去了。”在黑格尔看来，“我们现时代的一般情况是不利于艺术的。”黑格尔站在古典型艺术向浪漫型艺术转向的时代点提出“艺术终结”的命题无疑动摇的了传统艺术观念的合法性。
然而从美学的角度，尤其是自然美到艺术美的角度回望西方艺术观念，不难发现以希腊辉煌时代的艺术为代表形成的传统艺术观念影响深远，尤其是关于艺术“模仿”的一系列理论，成为早期艺术创作的艺术规范。
从美的定义来看，西方古代更多的是从节奏，韵律，对称，和谐等自然外在的方面来诠释，这也反映出艺术观念形成过程中自然美的决定力；现代主义则偏重于事物中蕴含的意蕴，注重事物生命的表现，探究心灵深层情感。自然美在艺术观念形成过程中的决定力在于：自然美的“本真”让人感知到美，“本真”在古希腊模仿论者那里就成了艺术观念形成生的力量之源。不可否认模仿使得艺术观念合法性地位得到确立，然而，随着人类审美能力和创作能力的提升，以自然美为决定力产生的艺术观念受到艺术美的挑战并显示出其弊端，艺术作品中对艺术美的强调开始令原本稳固的艺术观念开始动摇，艺术家开始反思现存艺术观念的存在合法性。在这一过程中，艺术美开始以否认自身对自然的借用的方式来确立新的艺术观念的合法性。艺术观念也需要不断的摆脱自然美的限制和巨大影响，寻求自身救赎。
一、自然美对艺术观念的决断力及其反思
艺术观念的合法性需要在公众对艺术作品的审视和观照中获得，在古希腊时期的艺术创作中，艺术模仿自然成了唯一准绳。自然美对艺术观念的决断力体现在其本真、和谐一律的形式美为艺术创作提供了范式；自然美由于契合主体审美力而令艺术创作有了模仿冲动。
艺术创作推崇自然，较早可以追溯到柏拉图和亚里士多德的“模仿说”。柏拉图以“理式”的床、“木匠”的床和“画家”的床为例，谈到“模仿者的作品和自然隔着三层”。亚里士多德提出了“史诗和悲剧，喜剧和酒神颂以及大部分双管箫和竖琴乐——这一切实际上是模仿。”艺术之所以模仿自然，显然是由于自然具备模仿的因子，在阿多诺看来是“由于令人敬畏的自然的诸形象从开初就意在凭借模仿来抚慰自然，”正是自然美中蕴含的敬畏因素，促成了艺术模仿。实质上这种艺术的模仿是对自然美的一种挪用，尽管这种纯手工的艺术创作会烙上创作者的痕迹而不至于使创作的艺术美完全等同于自然美，但艺术美更多的是附庸于自然美之下的，自然美成了艺术美衍生的绝对根源，也成了艺术观念形成的支配力。
在康德美学中，同样肯定了自然美的决断力，在《判断力批判》中，康德提到，“无论是谈到自然美还是谈到艺术美，我们都可以一般地说：美的就是那在纯然评判中（而不是在感官感觉中，也不是通过一个概念）让人喜欢的东西。”康德认为美的艺术作品虽然不是自然但又要像自然产品一样。此外康德还提到“无须概念而普遍地让人喜欢的东西，就是美的。”他还认为不以任何有关对象概念为前提的自由的美是独自存在的美是独自存在的美，而依附于一个概念的美是有条件的美，从而肯定了自然美。自然界中的花是自由的自然美，“许多鸟类（鹦鹉、蜂鸟、极乐鸟）大量海洋贝类自身就是美，这些美根本不应归于任何按照概念就其目的而言被既定的对象，而是自由地并且独自让人喜欢的。”
自然美以其自身的决断力祛除艺术美的痕迹后，形成的艺术模仿是值得反思的。康德所提及的不附加概念，无功力目的自由之美在现代工业出现之时，遇到了极大的挑战，现代复制技术的出现消解着这种纯粹的美，大规模的艺术品复制造成了传统艺术观念的变化，也让此种不附加概念的自然美在艺术创作中难以被借用，模仿的艺术作品所具有的韵味也在消散，艺术作品需要在汲取自然之外找到自身美特质的源泉，以符合其艺术作品的资格，艺术观念也需要在新的背景下重新确定自身合法性。
同样，黑格尔认为模仿只不过是“按其本来的面貌，再复制一遍”，“这种复制可以说是多余的，因为图画、喜剧等等用摹仿所表现出来的东西——例如动物、自然风景、人的生活事件之类——在我们的园子里、房子里或是远近熟悉的地方都是原来已经存在着的。”同时，他认为“这种多余的费力游戏总是要落后在自然后面。”这是因为单纯的模仿只是停留在技巧方面，难以竞争过自然，而且艺术的目的并不是单纯的对现实的模仿。尽管黑格尔的说法有些绝对，但不可否认，在自然美祛除异质性因素（艺术美）之后形成的艺术观念在古典型艺术向浪漫型艺术过渡时出现了动摇。
模仿的艺术观强调现实世界的自然美，艺术模仿难以显现艺术作品的艺术美，它更多的是对自然美的挪用。自然美之所以能以如此合法的身份得到认同在于自然美和艺术美未能得到有效区，这一命题直到黑格尔那里才完成。黑格尔明确提出艺术美高于自然美，模仿的艺术观念合法性受到挑战并亟待重新立命。在美学的领域中，自然同科学中的“自然”十分相似，而自然美也不过是经过视力和听力两种最为常见的感官所统摄，因此自然美具有原初性。这种原初性可以表现为一种纯真的美感，同样也可能暴露其缺陷，这种缺陷在黑格尔看来，是自然美的不完满，停留在“自在状态”，而“生命只有作为个别的有生命的东西才能存在，善要借个别的人才能实现；一切真理只有作为能知识的意识，作为自为存在的心灵才能存在。”显然黑格尔认为艺术美才能称得上是“自为存在”，艺术美可以规避自然美的短暂性，从而令自然美得到矫正，这种矫正区别于简单的临摹和记录，不是机械的模仿而是含有技巧性的艺术创作。
此外，黑格尔还从心灵角度对自然美和艺术美做出了有效区分并极力推崇艺术美，他很明确的肯定了“艺术美高于自然美，因为艺术美是由心灵产生和再生的，心灵和它的产品比自然和它的现象高多少，艺术美就比自然美高多少。”这一观点充分肯定了人作为创作主体在艺术创作中的作用，认可了艺术作品所产生的审美力量。
艺术观念在黑格尔那里被重新界定，在他看来美的艺术“在心灵领域里，尤其是在想象领域里，比起自然界来，显然是由任意性和无规律性统治着的，”艺术美之所以具有更高的审美价值在于它是人类心灵的产物。不同于山川，河流的“自在”美，艺术美需要心灵发挥巨大的创造能力，运用人脑的思维和创作技巧，经过心灵，大脑的重释，融入情感因素，才能获得美的艺术作品。由此可以看出新的艺术观念中自然美的因素被艺术美取代和扬弃，但在阿多诺看来这是“自然美概念完全受到压制”的结果。
黑格尔对艺术美的推崇，对19世纪末20世纪初的现代主义具有潜在影响。尽管现代主义作家也认可自然美给予了创作的激情和外在的客体刺激，但他们认为艺术的内在创造才更为关键，艺术不是表现可视的自然美，也不是模仿自然，而是要表现精神之美，艺术之美。他们反思艺术只是生活真实反映的观念，由其是在现代工业极度发达的世界，摄影技术更是让模仿的“真”难以有更大的超越，艺术作品人工痕迹的差异性也不复存在，所以内在的表现所呈现的艺术美才是艺术存在的关键。
认为艺术是表现的艺术观寻得了主体心灵情感的解放，当然也引来了非议，阿多诺就认为，“表现只能被看成是苦难感受或经历的的表现。”艺术中塑造物和模仿物能够很轻易的将与作品无关的其余粉饰物排除在艺术之外。表现本身也可能将客观物排除在外，从而将现实生活中的直观性与艺术分裂。从表现的效果而言，尽管艺术家能够完整的表达其内心情感的东西，却只是“欲言之物的徵记，或者是以密码形式表现出来的一种平淡无味的象征。”阿多诺的美学理论无疑对表现主义理论提出了挑战，主体精神的幻想和虚构性以及由此构成的艺术观念同样受到挑战。
二、艺术观念的循环
“艺术作品因为招致消亡而得以存活”,艺术观念同样如此，它通过自身的黯淡给新的艺术观念以合法性空间。古希腊艺术观念中：若要把握艺术，创造艺术就应该认识到艺术源于模仿，离不开模仿，自然界中各种形态的美以艺术作品的形式呈现出来，无论作品如何繁复都离不开模仿。这一艺术观念最终在黑格尔“艺术美高于自然美”的论断中被颠覆，取而代之的注重心灵主体性表现的艺术观念，然而这种观念也因为其暗含的虚构意识以及自身追求的虚构契机而被摒弃。
艺术观念的循环论证的发生源于模仿和表现的现代冲突，而这一冲突是有着悠久历史的。阿多诺认为，表现具有模仿的功能。表现具有强迫性的表述力，模仿作为技术性的程序妨碍着这一表述力，从两者的冲突中不难看出，艺术观念更替的必然性。
客观的模仿艺术观是如何再一次产生的，在阿多诺看来正是主观性的表现和客观性的模仿的冲突实现的。表现中的模仿契机激发了自发性和任意性，这种自发性和任意性遇到模仿力就成了客观性。主观性的形式知解落入主体的模仿力造成了客观性之重演的模仿。
参考文献
1德)阿多诺《美学理论》.王柯平译.成都:四川人民出版社,1998.
2古希腊)柏拉图《文艺对话集》.朱光潜译.北京:人民文学出版社,1959.
3德)黑格尔《美学》.朱光潜译.(第一卷)北京:商务印书馆,1979.
4德)康德《康德著作全集》(第5卷):实践理性批判、判断力批判,李秋零主编.北京:中国人民大学出版社,2007.
论文关键词：自然美,艺术美,反思,艺术观念,合法性
模仿的艺术观强调现实世界的自然美，艺术模仿难以显现艺术作品的艺术美，它更多的是对自然美的挪用。自然美之所以能以如此合法的身份得到认同在于自然美和艺术美未能得到有效区，这一命题直到黑格尔那里才完成。黑格尔明确提出艺术美高于自然美，模仿的艺术观念合法性受到挑战并亟待重新立命。
二、艺术美的反叛与艺术观念的变动
在美学的领域中，自然同科学中的“自然”十分相似，而自然美也不过是经过视力和听力两种最为常见的感官所统摄，因此自然美具有原初性。这种原初性可以表现为一种纯真的美感，同样也可能暴露其缺陷，这种缺陷在黑格尔看来，是自然美的不完满，停留在“自在状态”，而“生命只有作为个别的有生命的东西才能存在，善要借个别的人才能实现；一切真理只有作为能知识的意识，作为自为存在的心灵才能存在。”显然黑格尔认为艺术美才能称得上是“自为存在”，艺术美可以规避自然美的短暂性，从而令自然美得到矫正，这种矫正区别于简单的临摹和记录，不是机械的模仿而是含有技巧性的艺术创作。
三、艺术观念的循环
关键词：自然美；现代语境；黑格尔
在美学史中，艺术美往往被看作是美的最高形态，而自然美的处境则比较尴尬。西方的美学大家们，要么对自然美避而不谈，要么将其放在次一级的地位上，尤其是美学大家黑格尔，在其著作《美学》中将自然美排除在他的美学范围之外，明显地贬低了自然美。事实上，当人类进入现代社会，这种贬低自然美的观点便不堪一击，自然美也应该从之前的“低级”中摆脱，成为美学领域中的重要课题。因此，对自然美的现代语境的考察，便有了很强的现实意义和学术理论意义。
西方传统自然美论的发展历程及其得失
在西方美学家们对自然美理论的阐述中，我们不难发现对其不同程度的贬低和忽视。为何不同时期都会出现同样的问题，我们有必要首先对自然美理论的发展历程进行梳理，从而分析西方传统自然美论的得失。
一、传统自然美论的历程
古希腊罗马时期，在“神是万物的尺度”的传统观念下，自然的力量是必不会更多地被提及，美学领域则处在一种对美学本质问题探讨的层面上。柏拉图建立在“理念论”基础上美学思想认为“美是难的”。既然美都是难的，那么对于自然美的讨论更是无从谈及。亚里士多德在批判其老师柏拉图的“美在理念”基础上，认为美存在于现实事物之中。
到了中世纪，统领整个西方世界的仍然是神性的自然观，人们的一切自由思想被基督教禁锢。既然上帝创造了一切，自然便成为了上帝的杰作。在这个时期，基督教神学家奥古斯丁认为无论自然的美和艺术美，它们都是对上帝的反映。托马斯·阿奎同样认为上帝是最高形式的美，自然美只是上帝美反映出的一个镜像。
文艺复兴时期，美学家们以觉醒的人性去挑战统治许久的神性世界。艺术家们赞美人，对于自然美亦有新的认识。画家达芬奇，身体力行地从自然中取材，观察赞美大自然的一切，其艺术作品中体现的自然观值得借鉴。
二、西方传统自然美论的得失
1.简单地对西方传统自然美论梳理之后，我们又该如何评价呢？
在神的地位仍凌驾于人之上的古希腊罗马时期，自然的力量在神的面前黯然失色。美学家们停留在对于美本质问题的追究上，自然美也就没有成为一个独立的审美对象进入他们的视野；中世纪时期的美学思想都是在神学的基础上，既然上帝创造了一切，美学家们提到的自然美也就只能被看作低级的有限美；文艺复兴时期，作为画家的达芬奇对自然美有新的认识，但其自然观仍是停留在绘画艺术的范围内。而且，在一个“人是宇宙的精华，万物的灵长”的时代，对人的重视程度势必会远远超过对自然的重视；到了17、18世纪的启蒙运动时期，科学家们揭示了更多关于自然的秘密，人类很大程度地摆脱了神权的统治，但当人的力量空前被重视的同时，自然的力量也被人类牢牢地掌控，因此，自然美也就变得微不足道了；在美学家黑格尔的眼中，正是为了弥补自然美的缺陷，才需要创造艺术美，所以艺术美高于自然美是黑格尔关于自然美的核心思想。
2.通过梳理不难看出，自然美始终没有被作为一种独立的审美对象得到重视。
那么，在自然生态受到严重破坏，人的力量过分强大的现代语境下，这种对自然美的忽视是否该得到我们的重新审视呢？
三、现代语境下对自然美论的重新审视及其意义
自然美理论经过了几个世纪的发展，其地位仍未得到应有的正视。在人类吃尽自然生态危机苦头的现代语境之下，对自然美论的地位和意义进行重新审视显得尤为重要。
（一）自然美论的现代语境
近代以来，基于对自然的探索，人类从对其服从转为对自然的逐步控制。工业文明的出现，对于人类而言是一次前所未有的变革，它彻底颠覆了以农业为基础的传统文明，建立了一个全新的世界。然而，工业的变革是一把“双刃剑”，人类在享受其带来的丰厚果实的同时也尝尽恶果。在工业发展的带动下，社会生产力得到了空前的提高，科技彻底改变了现代人的生存方式。但是，在工业文明的背景下，人类对自然的态度也经历了一个由无限掠夺到无奈妥协的过程。工业文明曾赋予了人类无比的自信，“征服自然”这类口号是一个时代的见证。但很快人类就为自己的过分自信付出了代价，因为与发展几乎同步的生态危机也纷至沓来，人类不得不在自己与自然的关系上作重新的考虑。于是，在对工业文明带来的弊端的反思中，“尊重自然”等口号又成为了新的流行。
上升到美学领域，“自然”作为审美对象，其地位在工业文明时代也经历了一个由被征服到被尊重的过程，对自然美在现代语境下的重新审视也就成了这个时代的要求和历史的必然。
（二）正视自然美论的现代意义
在现代语境中正视自然美，从精神和物质两方面来看都有很强的现代意义。
首先，自然美作为审美领域的一个独立的范畴，若得到重视，在人类的精神生活领域会发挥巨大的作用。自然美具有极高的审美价值，是“仰观宇宙之大”令人心旷神怡的一种美。与自然亲近，会给艺术家无尽的艺术灵感和想象的空间，因此，古今中外，以自然为题材的艺术作品层出不穷，如梵高的向日葵、陶渊明的采菊东篱下，等。对于现代人，正视自然美的价值可以增强对自然的感悟力，从而提高审美能力。就像孔子所说：“智者乐水，仁者乐山”，自然不仅给人类提供物质资源，更是人类精神家园的宝库。
其次，重视自然美可以重新建立人类对自然的道德担当，促使人和自然和谐相处。原始社会，人类对自然力量充满敬畏，而在利用改造自然的工业社会，人类的过分掠夺，由环境问题而产生的物质经济损失也为人类敲响了警钟。在现代语境中，自然美的地位如果依旧遭到排挤，人类受到的报应和惩罚将会更加地严重。因此，重建人类对自然的担当，正视自然美的地位，对现代人来说已经是刻不容缓的事情。
总之，我们通过对西方美学史有关自然美论的简单梳理，得知传统美学中自然美理论遭到了忽视和贬低，这种自然美论不受重视的美学观点在现代语境中，其弊端已经在人类的工业文明史中得到了印证，人类也受到了应有的惩罚。因此，我们需要在当下语境中，对自然美的地位进行重新的定位，并给予其物质和精神价值上的充分肯定。（作者单位：沈阳师范大学文学院）
［1］黑格尔著，朱光潜译，美学（第一卷），第4页，商务印书馆，1996年11月第二版。
［2］朱光潜著，西方美学史，人民文学出版社，2003年5月。
2005年7月,首届华夏雅石艺术论坛以“奇石是否为艺术品”为题展开了学术讨论,参与名家各抒己见,但“是”与“不是”,没有最终定论;此后,上海藏家梁志伟以《奇石艺术品化将成为潮流》一文明确表态,但也仅是给处境略显尴尬的奇石一个比较中和的定位。时隔几载,业界均以奇石“是天然艺术品”和“终究成为艺术品”相守。但,只要尘埃尚未落定,就有被反复审视的可能。
此文从艺术品、美学理论的专业视角入手,环环相扣,从正反两方面对“奇石是艺术品”做了相应论证。刊登此文,只望给石界更充实的领悟。
有人说,“奇石是具有观赏价值和收藏价值的天然石品”。这种说法认为艺术品是人创造的,能反映社会生活,而奇石是大自然创造的,不能反映社会生活,所以奇石不是艺术品,没有艺术性。我们认为,判定奇石是否为艺术品,决定于其赖以产生的社会实践,而不是局限于一个僵硬的概念。笔者拟从艺术品概念内涵扩展的必然性和奇石文化实践两方面进行论证。
一、艺术品概念内涵扩展的必然性
二、奇石文化实践对艺术品概念造成的冲击
下面我们来考察艺术品概念的外延都有哪些本质变化,或说奇石文化实践在哪些方面的突破对原艺术品概念的内涵造成了革命性冲击。当代奇石文化实践给我们提供了具体而典型的审美案例,通过与艺术、美学理论的结合,我们可以了解到奇石文化欣赏活动的基本特点:
(一)奇石文化欣赏活动具有一般艺术活动的四要素特征
“美国当代文艺批评家、康乃尔大学教授艾布拉姆斯于1953年将艺术活动的要素归结为艺术品、艺术家、宇宙、观赏者四个方面。”(见《艺术概论》第10页,李胜利编著,中国传媒大学出版社)我们姑且简称为“四要素说”。对比这个学说,奇石采集、装饰、鉴赏和赏析艺术家构成的人才队伍相当于“艺术家”;“宇宙”范畴,笔者理解它是一个包括艺术实践、主体活动环境及反映对象的“泛实践”概念;奇石文化受众即观赏者;奇石自然与“艺术品”相对应。从奇石产出到受众欣赏的过程,具有艺术活动的四要素特征。因此,奇石文化欣赏活动是艺术活动,这是奇石是艺术品的论据之一。
(二)奇石具有艺术品的结构
我们先来看一段关于艺术品结构的论述:“艺术作品(艺术品)由文本(直接载体)和载体(间接载体)构成。所谓文本,即我们通常意义上所说的艺术作品,是艺术主体影响、作用于受体的直接媒介,由语言、结构、意象、主题等层次构成。所谓载体(间接载体),即艺术作品寄身其上的物质手段,是艺术作品与主体之间的媒介,譬如,声音是音乐的载体,画布与颜料是绘画的载体,胶片是电影的载体。”(见《艺术概论》第154页,李胜利编著,中国传媒大学出版社出版)由此可见,奇石的形象(即意象)、意境、神韵、主题等层次结构,是直接载体,是意识形态的艺术要素。形态、色彩、纹理、质地等是间接载体,是塑造艺术形象的物质手段。两种载体离不开物质的形成与演化过程,分化又统一于社会实践。因此,奇石具有艺术品的结构特征。这是奇石是艺术品的又一论据。
(三)奇石具有艺术品的美学功能
1、从美的形态看,奇石美具有现实美和反映美两种形态。前者指自然美,后者包括社会美、艺术美、形式美和科学美。
自然美随着人类社会实践的发展,自然人化程度不断深化,奇石作为自然事物的典型代表之一,逐渐进入人类的实践和认知范畴,成为人类审美实践的对象和结果。自然质朴的感性特征,不仅契合了现有书法、绘画、雕塑等造型艺术的表现手法和效果,而且以自然天成、匪夷所思的艺术形象超越传统艺术形式,大有开宗立坛之势。奇石美是自然人化和人的本质力量对象化双重作用的结果。因此,自然美是奇石的类本质所体现出的现实美。
社会美和艺术美奇石反映美的形象性和审美主体的发现性,引申出奇石的社会美和艺术美。奇石的社会美是对现实社会美的反映,奇石的艺术美是就它与艺术美都具有以形象反映现实美的共性而言的,它们不是社会美和艺术美本身。因此,我们不能以社会美的具体、生动性和艺术美“自由”与“自主”的创造性否认奇石美的社会性和艺术性,进而否定奇石艺术品的定位。
形式美形态、色彩、纹理和质地等自然形式,本来有具体内容,经过长期的重复、仿制、演化和反映,成为脱离内容的规范化形式。因此,奇石的形态、色彩、纹理和质地可以作为单独的审美对象而成为形式美。
科学美隐含在奇石及其表现形式中的物质及生命演化信息,是科学认识的对象。在科学认识的过程中,作为客体和规律性(真)与主体和目的性(善)相统一的美感,是引导科学家实现科学发明、发现的重要途径。有科学素养的赏石者,可以体会科学家探索过程的趣旨和审美情感。因此,奇石具有科学美。尤其是矿晶、化石和陨石等标本类奇石,作为科学美的集中体现者而具有审美价值。利用现代科技手段观察奇石的微观审美特征和利用现代科学理论提高主体的审美能力是奇石科学审美手段的两个基本发展方向。
奇石美包含所有美的形态和种类。与传统美学的社会美、自然美、艺术美、形式美、科学美的并列与辩证关系不同,奇石美是以自然美为基础、社会美和科学美为反映对象、艺术美和形式美为表现形式的塔形结构。
2、从美的本质和特征看,奇石美的本质与传统美的本质相同,也是在人类实践的基础上,主客体交互作用的产物,是反映人的自由创造和生命活力的生动形象。与“形象”的狭义感性物质创造说不同,笔者认为,奇石的自然本质规定性与人工性的矛盾,决定了奇石“形象”的创造性,不能存在于“形象”之内,只能存在于“形象”之外。存在于奇石的采集、装饰、鉴赏、展出等感性物质的选择活动和奇石鉴赏过程中的理性发现两种基本形式中。奇石美的特征也具有美的形象性、感染性和社会性。由于奇石在表现人类认知范围内的社会和自然事物形象的同时,还表现人类认知范围外的社会和自然事物的形象,以特有的形式丰富着人类对自然美的认识,所以,奇石美具有传统美学形式并不突出的自然性的本质特征。
3、从美感的产生看,奇石美感与一般美感既有相同点又有不同点。
相同点:都是在社会实践的基础上,由实用形式感到审美形式感、由不自觉到自觉、由狭窄到广阔、由肤浅到细致深入的过程。是先民“比德”、“畅神”、“移情”等审美实践的结果或产物。
不同点:奇石美感是借鉴绘画、雕塑艺术的审美模式或经验,以现代美学理论为指导和最新发展形式的艺术感知。
4、从美感的特征看,奇石美感与传统美感的特征有同有异。
直觉性:传统美感有潜藏着理性的个体直觉性,本质上是直觉审美。奇石美感是个体直觉性与理性认识的统一,本质上是理性感悟,是“养眼、养心和悟道”的升华过程。
情感性:传统美感和奇石美感都是人在自己所创造(或选择)的对象世界中直观自身的心理活动,是区别于科学意识、道德意识的对对象世界的特殊反映形式,是以认识为前提的情感判断。
愉悦性:奇石美感与一般美感是相同的。从个体审美看,表现为无功利的纯审美性;从历史唯物主义的观点看,个体超功利审美所依赖的观念,却是功利的延伸物。所以,奇石美感和传统美感都是个体无功利性与社会功利性的统一。
(四)奇石(及文化欣赏活动)与传统艺术品(及艺术活动)比较
综合以上三点,可比较如下:
相同点:(1)奇石文化欣赏活动与传统艺术活动都具有四要素特征。(2)奇石和造型艺术品的结构都由直接载体和间接载体组成。(3)都有自然美、社会美、艺术美、形式美和科学美五类美学形态。(4)艺术性都通过艺术形象反映社会生活、表达思想感情的完美程度得以体现。(5)塑造艺术形象的手段都是形态、色彩、线条(或纹理)或质地。(6)传统造型艺术规律对奇石欣赏活动具有借鉴意义,遵循基本相同的审美规律。(7)都具有审美价值。(8)都具有保值、流通功能,因而具有收藏价值。
三、奇石艺术品悖论辨析
要论证奇石是艺术品,除了正面论证之外,还要从反面论证一些代表性观点的错误和局限性。本文开篇所引观点和美学家王朝闻只承认奇石“具有相对意义的艺术性”而不是“艺术品”的观点是一脉相承的,是流与源的关系。因而后者是我们论证的重点。诚然,作为唯一一个关心、垂顾奇石文化事业的大师级雕塑艺术家、美学家、艺术理论家,留下堪称经典的《石道因缘》等宏论,我们每一位石友都发自内心地感谢他。但为了实现大师“终有一天能够穿越探索石道的艰辛,出现系统化、民族化为举世公认、名实相符的赏石美学”(见《石道因缘》第150页,王朝闻著,浙江人民美术出版社)的愿望,我们不得不对大师的部分观点提出保留意见。
“客:对于观赏石,有人说它也是艺术品,你说对吗主:我先问你观赏石所引起的美感,和艺术品所引起的美感,对你有没有明显的差别客:不消说,艺术不止反映客观的美,它还创造艺术美……石头虽能引起美感,但这种美与人们精心创造的美不同。”(同上,第12页)用美感的差异性否定奇石是艺术品。这是大师否定奇石艺术品的第一个观点。从本质上讲奇石美是自然美,进一步说,奇石的自然美中契合了社会生活、自然事物的艺术形象,具有社会美、艺术美,与传统艺术美的平衡、对称、整齐划一、随心所欲等“主观性与独创性”的特点不能等而论之。但它对社会美和自然美的表现力,是传统艺术家意想不到、传统艺术美无法企及的。因此,奇石的艺术美是对传统(人工)艺术美的拓展与补充。奇石艺术美与传统艺术美是对立统一关系。用传统艺术美感的标准去衡量奇石美,就是只看到事物的差异性没看到事物的统一性,是形而上学艺术观的表现形式。
美学家王朝闻虽然发现了奇石文化欣赏活动中的创造性,但囿于艺术品概念的既定模式,得出了违反概念辩证法的错误结论,不经意间为奇石文化设置了新的障碍,这是奇石文化理论建构中必须扬弃的。
四、结论
关键词：中学语文美育渗透
所谓美育即审美教育，是培养学生具有审美情趣及感受美和表达美的能力。美育在培养新一代的过程中具有重大意义，它能促使学生形成良好的道德观念和辨别真善美丑的能力，净化灵魂，充实学生的精神生活，提高文明修养程度。《语文课程标准》明确指出：“高中语文课程应进一步提高学生的语文素养，使学生具有较强的语文应用能力和一定的审美能力、探究能力，形成良好的思想道德素养和科学文化素养。”可见，中学语文教学与美育教育是相辅相成的，教师如能在语文教学中贯穿审美教育，不仅可以使语文教学充满情趣，使学生获得美的享受，还有利于调动学生的学习积极性，进而提高教学质量。那么，怎样寓美育于语文教学之中，提高学生的审美能力呢？
一、在语文教材中挖掘美
中学语文教材荟萃了古今中外的名篇佳作，这些作品同其它形式的艺术一样，都体现了艺术家的审美理想，反映了艺术家的思想感情。刘勰说得好：“著文者，情动而辞发”，“观文者，披文而见情”。可见，情是文学作品的核心和主宰，也是语文教学的生命，作为一名语文老师就应该把握好作品的情，深刻的挖掘出教材中的审美因素，培养学生的审美情感，使学生感受出作品中的真、善、美，加深了对作品的认识，得到了教育。像课文中的感人形象处处可见，如忧国忧民的杜甫、追求真理的屈原；不幸的祥林嫂，可怜的窦娥；虚伪的鲁四老爷、可笑可恨的别里科夫等都给我们留下了深刻的印象。通过对这些形象的分析，引导学生分辨“美”“丑”，受到教育，并自我审视，自我完善。教学中，教师如能紧扣作品的语言，剖析作品的人物形象，引导学生在鉴赏中体验和认识这些艺术形象蕴含的社会意义，激发他们的爱憎情感，对学生形成高尚的情操和健康的审美观念，学会鉴别生活中美丑产生积极的作用。教师不仅要引导学生对正面人物性格的分析中得到美感，也要教会学生在对反面人物或中间人物的分析中享受美。因为“丑与美不但可以互转，对学生进行自然美的教育。而且可以由反衬使美者愈美，丑者愈丑。”
课文中的自然景物描写则更为具体、形象、生动，教学中教师必须再现课文中描写的自然现象和图画，给予学生自然美的教育。只有这样，才能使学生有亲临其境之感。
二、在朗读教学中感受美
三、在课文分析中鉴赏美
2、美的语言。文学是语言的艺术，它是借助生动、优美、凝练的语言来塑造人物形象，表达人物情感。鉴赏教材美的语言，是语文教学中不可或缺的方面。新的课程教学标准要求教师应引导学生积极捕捉语言信息，有自己的领悟。
3、美的形象。文学作品中典型人物形象具有永久的艺术魅力，让学生能够正确认识和评价人物形象是语文教学中至关重要的内容。小说、散文、诗歌、戏剧中鲜活的人物比比皆是。无论是正面人物，还是反面人物，都表现出了鲜明的爱憎褒贬倾向，体现了作者的美学理想。美学家朱光潜认为：“丑与美不但可以互转，而且可以由反衬而使美者愈美，丑者愈丑。”施耐庵笔下的正面人物鲁达是值得赞颂的，但反面人物镇关西同样具有其独特的审美价值，鲁达形象正是靠镇关西的反衬，越发显得耀眼，使读者受到强烈的艺术感染。
参考文献：
1、《教育学》（邵宗杰悲文敏）第十二章美育的实施华东师范大学出版社
妻在屋里拍着闰儿，迷迷糊糊地哼着眠歌。我悄悄地披了大衫，带上门出去。
可惜我们来的还不是时候，晚饭后在廊下黑暗里等月亮，月亮老不上，我们什么都谈，又赌背诗词，有时也沉默一会儿。
一个“老”字含意颇丰。“我”和S夫妇吃过晚饭就来等月亮上来，可是左等右等，还是不上来；不上来还要等，等了还是不上来。“我”和S夫妇赏月的期望、急迫、不耐烦、无可奈何甚至责怪、怨怼的心绪都尽含在“老”字中了。然而，越是这样，越是要等，于是就用“赌背诗词”来消遣了。一个“赌”字，可以想见当时情景：三人相互打赌背诗词，看谁背得多，背得好，三人在背中比输赢，以至胜者如何得意，负者如何受“罚”，真是难摹之状、难写之意如在目前了。
盼望着，盼望着，东风来了，春天的脚步近了。
一切都像刚睡醒的样子，欣欣然张开了眼。山朗润起来了，水涨起来了，太阳的脸红起来了。
两节文字节奏短促而轻快，语势畅达而倾泻，将作者早已盼望春天到来而终于盼到的兴奋、喜悦――热烈而奔放的欢呼，震撼心灵的喊叫，表现得多么真切、急切而深切!尤其是句末的五个“了”字，常字见奇，落地有声。这里的“了”不再是表示动作完成的一般助词，它还能协调音韵，增强语句的节奏感，浓化感情，使作者热爱、赞美、向往春天的激情流注于语句之间，给人以奋发向前的美感力量。
情韵美。朱自清散文中的口语，还能创造出一种艺术氛围，在特定的气氛和情调中透出诗一般的韵味，这就是所谓的情韵美。在《巴黎》的开头，朱自清是这样用口语来描绘这座世界闻名的艺术城的：
巴黎人身上大概都长着一两根雅骨吧。你瞧公园里、大街上，有的是喷水，有的是雕像，博物院处处是，展览会常常开；他们几乎像呼吸空气一样，呼吸着艺术气，自然而然就雅起来。
【论文摘要】："信、达、雅"为一般英汉互译之标准，而音译则要求更高，用翻译界的一句话来说即"翻译是一门艺术"。音译，其为求其深邃的意境，浓厚的感染力，强烈的艺术效果。又有更好的难度，不仅要求译者准确理解原文，更对译者有着更高的要求。
一、引言
翻译是用另一种语言，把原作的艺术意境传达出来，使读者在读译文的时候能够象读原作时一样得到启发、感动和美的感受。"而音译作为英汉互译中最特殊的一种样式，对语言艺术有特别严格的要求。如果说一般的英汉互译，要达到艺术性水平，必须解决如何用本国语言传达原文风格的问题，那么音译，除此之外，还必须解决如何运用和原著同样最精炼的语言、最富于音乐性的语言，来驾驭严格约束语言，使打翻译达到美的享受，有其以下两个特点：
1.音译要再现原作的艺术美
音译是运用特殊的语言和艺术手法创造的艺术品，具有形象性、艺术性，表达了某种情节内容、思想感情，体现了作家独特的艺术风格，并且具有引人入胜的艺术境界。音译，光传意（即做到意义上的忠实）是远远不够的，还要注意保存原作的感情、韵味、意境的风格，要把原诗创造的艺术意境传达出来。
例如:
AWidowBird
Awidowbirdstatemorningforherlove
Uponawintrybough;
Thefrozenwindcreptonabove,
Thefreezingstreamblow.
Therewasnoleafupontheforestbare,
Noflowerupontheground,
Andlittlemotionintheair
Exceptthemill-wheel''''ssound.
译文为：
孤鸟
孤鸟栖寒枝，悲鸣为其曹；
河水初结冰，冷风何萧萧；
荒林无宿叶，瘠土无卉苗，
万籁尽寥寂，惟闻喧桔槔。
原诗的诗眼在"widow"（孤寡之意）一词，译者紧扣诗眼，将state译成"悲鸣"，将wintrybough译成"寒枝"，将freezingstreamblow译为"冷风何萧萧"，将mill-wheel''''ssound译为"喧桔槔"。可以说，这种译法在词义上讲是"失实"之处，但它却将原作创造的那种艺术境界给传达出来了，而且译文所渲染出的那种荒寒的意境、悲凉的心情，私以为，较原作有过之而无不及，让人读罢，不禁从心底泛起一股悲怆之情，对那只孤苦伶仃的鸟儿顿生同情之心、怜惜之意。一首好诗，往往是"意中有境"，"境中寓言"，读后沁人心脾，耐人寻味。译者在翻译时，应该充分发挥想象力和直觉的作用，对原作心领神会，而移情于自身，把原作的艺术美音译美表现出来。
2.音译是一种创造性的美
音译具有鲜明的主体性和创造性。在翻译过程中，译者既是原作艺术美的欣赏和接受者，同时又是它的表现者。从欣赏到表现，有一个重要环节，即译者的审美再创造，或者叫心灵的再创造，情感形式的再创造。这种再创造的关键是要抓住蕴含在原作中作者的思想感情，在此基础上不妨甩开原文形式，选用最佳的词句结构、表现手法，把原文（不仅仅是内容，而且还包括情感、意境、韵味和风格）重新表达出来。例如英国诗人菲茨杰拉德（EdwardFitzGerald）译波斯诗人俄玛（OmarKhayyam）的"鲁拜集"（Rubaiyat）是传诵诗坛的名作。他不拘泥于原诗的词句，而是吸取灵感再创作，既有英国诗的音韵之美，又传达了原诗的意境，堪称一绝。当然这种例子很多，俯拾皆是，顺手拈来。
徐志摩的《哀曼殊斐儿》，其音译之美曼殊斐儿，乃是爱尔兰女作家，年轻早故的她在志摩笔下有着令人眩晕震颤的美；而曼殊斐儿这四个字将其冰清玉洁的美好气质衬托得贴切无比，令人神往。这仙女般的名字，是KatherineMansfield的音译-现时译作凯瑟琳o曼斯菲尔德，但这样就完全失去了应有的诗意，只是普普通通的一个英文名字罢了
柏杨的《翡冷翠》其音译，引以意大利的佛罗伦萨(Firenze、Firenge或英文名Florence)令人读后瞬间心里仿似从仙境掉到了人间。
还是徐志摩的独创，将Cambridge译作康桥。虽然主观，但比起同样半是音译半是意译的剑桥，却多了些象征的意韵。歌咏康桥的诗篇也和这独特的名称一起经久不朽。
把Violin译作梵婀铃，来自朱自清《荷塘月色》中的名句"塘中的月色并不均匀，但光与影有着和谐的旋律，如梵婀铃上奏着的名曲"。换作小提琴，大约就少了一种婉约清丽的和谐。
大仲马的《三剑客》，里面多次提到法王行宫"枫丹白露"（Fontainebleau）还有巴黎的著名大道"香榭丽舍"（lesChampsElysees）。只觉得实在是妙不可言，一定是极为美好的场所。枫丹白露其法语本意是"枫树茂密有清泉的所在"；而香榭丽舍本意是"欢乐所在的田庐"；此情此景，如诗如画-不仅字音几近，字意也非常美妙得十分相似。
"香奈尔（Chanel）"也是一个相当出色的音译；我想很多女孩儿一见这个名字就会喜欢上它-如梦似幻的性感、温柔和芬芳，作为女性化妆品和时装的品牌实在合适不过了。
中式的美丽音译，还有很多体现在电影名字上。比如把非常平淡直白的的《滑铁卢桥》译成《魂断蓝桥》；气氛悠然而出，让人感觉一定是个荡气回肠的爱情故事；《TheBridgesOfMadisonCounty》译作《廊桥遗梦》、一段普通得不能再普通的婚外情，恰恰是这样如此平凡的题材，却被高明的艺术家渲染得缠绵悱恻，哀惋动人，男主人公罗伯特金凯的人格魅力，使得整个作品甚至亘古以来无数男欢女爱悲欢离合的故事，升华到一种前所未有的高度。《意外的收获》译作《鸳梦重温》...如古典的四字骈文，优雅微妙。美国有个以前的印第安人居住地Yosemite，现在是著名的旅游胜地。因经常有灰熊出没，就用了印第安人语的"大灰熊"作地名，谁知中式的音译却把它变得如此巧妙。
二、结束语
汉字是象形文字，其中含有物象的基因，具有某种空间性和可视性，有一种模糊的图画美，正如著名诗人闻一多所说："惟有中国的象形文字，可直接表现绘画的美。西方的文学变成声音，透过想象才能感到绘画的美。可是中国文学，你不必念出来，只要一看见''''落霞与孤鹜齐飞，秋水共长天一色''''这两句诗，立刻就可饱览绘画的美。"老舍先生说的"我们的语言文字之美是我们特有的，无可替代的"的观点是完全一致的。并可以通过语言文字之美译后使读者看到思想之美，意境之美，感情之美，做到音、形、义兼美，"既有意思，又有响声，还有光彩。"在英汉互译时如果只是逐字逐句平平淡淡地译出来，韵味尽失，丰姿全无，即使文字流畅，忠实通顺，但不传神，也不能算好的、合格的译文。
[1]《诗词翻译的艺术》,《中国翻译》编辑部,中国对外翻译出版公司,1986.
[2]杨自俭,刘学云.《翻译新论》,湖北教育出版社,1992.
一、英语审美教学模式研究综述
（一）英语审美教学模式的重要性研究
乔伊斯和韦尔在《教学模式》一书中认为：“教学模式是构成课程和作业、选择教材、提示教师活动的一种范式或计划。”[1]那么，有学者认为，英语审美教学模式是指在英语教学中，用美和审美的理论和视角建立起来的较为稳定的教学活动结构框架和活动程序，激发学生的学习兴趣和审美情趣，是教学得以顺利完成，能够收到良好效果的模式。认为：“人类是按照美的规律来塑造”的，这个观点，对于我们当前英语教学审美模式的构建与发展是有重要意义与启发的。时展至今，人类正逐步朝着创造“美”的方向迈进，这就要求我们以“美”的方式，从审美角度来审视教学模式的建构和运用。审美化是当前教学模式发展的必然趋势，审美构建是英语教学模式的必然选择[2]。英语学科教学有它自身的特点，教学的目的并不只是对学生进行知识及理论的灌输，而且要通过传授美的语言，进行人与人之间美的交流。另外，还要培养学生德、智、体、美、劳的全面发展。审美教学模式在英语教学中应该发挥着重要的作用。
在我国，审美教育作为现代教育系统工程重要的组成部分，既是历史的必然，又是现实的需要。因此，创造性地构建与发展我国高校的审美化大学英语教育及教学模式，既符合党和国家关于高等学校要贯彻教育方针，按照培养基础扎实、知识面宽、能力强、素质高的高级专门人才的总体要求，逐步构建起注重素质教育，融传授知识、培养能力和提高素质为一体，富有时代特征的多样化的人才培养模式的方针，又符合经济全球化和中国的社会转型。有人认为，在英语教学过程中融汇审美教育，能陶冶情操，培养学生发现美、欣赏美的能力，能调动教与学的潜能，提高教学质量，激发学生的学习兴趣，减轻教与学的心理负担与压力，培养适应时代要求的全面发展性人才。审美教学对英语教学质量的提升发挥着重要的作用。
（二）构建审美化教学模式的内容研究
在教学领域内，基于美的作用来提升教学效果的案例古已有之。寓教于乐的思想和实践在古代春秋战国时期就已出现，以后历朝历代在教育教学中也不乏应用，但审美化教学模式一直没有提出和加以系统运用，其内涵、外延及具体的内容等主张也比较零散。
关于构建审美化教学模式的内容，有人主张包括立美和审美[3]。立美方面，教师要充分挖掘大学英语教学内容中的审美因素，引入新的审美内容，使学生在获得英语语言知识的同时，充分感受到跨国文化中所包含的社会美、自然美、艺术美和科学美。其次，将审美精神渗透到大学英语课堂教学之中，使课堂教学结构审美化，将课堂教学活动成为审美活动，将课堂教学过程成为审美过程。建构审美化的大学英语课外活动体系。设计和组织丰富多彩的融知识性、趣味性和审美性为一体的大学英语课外活动，培养学生感受美、表现美、鉴赏美和创造美的能力。有学者主张，建设审美化的大学英语教学环境十分重要。按照审美精神与审美标准建设舒适、美观的英语教学环境，营造和谐、融洽的教学氛围，使学生身心得到愉悦，情操得到陶冶。在审美教学过程中，学生作为审美主体，首先要调动他们的审美知觉力去观赏。英语教师在教学的语言、模式、风格和方法等构成的形式美及形象美方面要创造条件，从而让学生获得一种感官情绪的愉悦。作为审美主体，即学生，在教学感知的基础上，学会运用审美判断力去理解、体验大学英语教学所构成的理性美和艺术美，从而让学生获得一种美感享受。
审美化教学的内容涉及了美、艺和情的三个角度。美即审美；艺即艺术性；情则是指情感。三者中的每一个途径的运用，或者是三者的综合运用都会增加教学的技巧和感染力，提高教学效果。钱冠连曾说，“任何语言本身就是一种艺术，蕴含着一定的美学特征”。英语教学中的美学内容主要体现在品味感受语言美、欣赏语言美、运用语言美、创造语言美等方面[4]。英语教学讲究艺术，但又不同于一般的艺术。教学艺术的欣赏主体是特定的群体，即学生。艺术的效果是使学生在不知不觉中感受到美，欣赏到美。情感是人对客观事物的态度体验及其相应的行为反应。在现实生活中，人与人之间的交流、人与社会群体的交流、家人之间的交流，都是建立在情感基础上的。英语语言学习的目的也是为了交流，同样也需要付诸情感，只有把情感因素和语言教学很好地结合起来，才能促进学生的学习过程[5]。
（三）构建英语审美教学模式的方法研究
英语教学模式的研究是理论和实践联系比较紧密的研究课题，以往的研究也有涉及模式构建方法的论文。研究成果主要体现在：（1）情境教学法。是指以教学内容为中心，教师根据实际情况，引入或创设情境，通过激发、调动、满足学生的情感需要，实现教学过程。创设情境进行教学，让学生有比较真实的感觉，在这个情境中，你可以自由地使用英语，调动学生的学习积极性。（2）和谐美学方法。生机勃勃、和谐有序的课堂气氛是课堂教学诱发美感的重要保障。营造良好的课堂教学气氛，能使师生之间的知识传递融入和谐的情感交流之中。这不但能调动教师的讲课激情，使其态度和蔼，思维敏捷，把课讲得津津有味，妙趣横生，而且也能使学生思维活跃，兴趣盎然，沉醉于积极吸纳与探求的美感境界中。另外，随着科学技术的发展，现代化的多媒体设备为审美化的教学情境创设提供了有利条件，它能提供光、声、色、形等审美效果，营造出一个逼真的教学情境，在洋溢着艺术氛围的课堂内进行审美体验，能使学生的思想境界得到提升[6]。
二、英语审美教学模式研究不足及展望
（一）英语审美教学模式研究缺乏理论基础的挖掘
以往的研究成果特别注重了教学实践的设计，多从“是什么”来探讨，而缺乏“为什么”的思考，研究缺乏基础理论的支撑。基础理论方面，如的审美教育思想是一种开放性的思想理论，是科学性和理论性兼具的思想，完全能够满足英语审美教学模式的理论诉求，按照马克思“美的规律”来塑造教育对象，并且随着美学与艺术理论不断发展，指导实践性的能力不断增强，对于英语审美教学模式的探讨，具有深刻的借鉴意义，应该纳入英语教学模式的研究视野，达到英语审美教学模式理论和实践的充分结合。
（二）英语审美教学模式研究缺乏系统性
【关键词】：设计美；构成要素；发展；平面设计
1、艺术设计美的概念
2、艺术设计美的构成要素及其表现
2.1材料
艺术设计就是要最大程度的把材料的特征发挥出来，从而表现产品的功能和材料美的特征。材料美感包含纹样美、质感美、肌理美，虽然美感的内容不同，但在其特性这一方面都是一致的，比如在符号性、情感性、质感性、绿色性这四个方面的评价标准还是相同的。
符号性：天然材料也被称为“自然材料”，具有原始朴实的感觉，使人充分感受到天然之美。藤艺家具造型别致，色泽自然，清新简洁，受到消费者的青睐。
情感性：不同的材质会给我们不同的感觉，通常木材给人的感觉是是自然、温暖的质感；塑料给人的感觉是细腻、优雅的质感；总之材料的情感性有多方面的原因造成。
质感性：不同的质感会给人以虚与实、晶莹与浑浊、光滑与粗糙等多种感觉。翡翠石，它的结构紧密细腻、呈半透明状的翡翠为玻璃地，是翡翠中的上品。
绿色性：设计师通过利用纸、麻天然材料作为包装的材料，会能使消费者有亲近自然的感觉。云南普洱茶的包装设计，它以竹子、纸张、陶瓷灯天然环保材料制成，令消费者产生浓厚的怀旧感。这类包装、不光有环保的作用，还有经济实用的作用。
总之，材料美主要体现在技术、自然和社会因素中。材料的美感直接体现在设计作品的艺术风格和消费者对它的喜爱程度，由此得出优秀的设计永远离不开美的材料。
2.2结构
世界万事万物都有结构，随着技术的发展，引起了设计风格和方法的改变。根据材料性能和零件组合方式的不同，将产品分为构筑性和塑造型两大类，构筑型结构具有简洁几何形造型风格，给人理性的审美感受。塑造型呈现出动感的造型风格，给人以感性的审美感觉。这些结构形态，体现人类在技术创造活动中对美的本质的无限追求。
在现代建筑中钢筋混凝土建筑使用广泛，在结构设计中人们一直在追求外形和功能的统一，内容和形式的一致。奈尔维设计的罗马小体育馆，由钢筋混凝土组成的穹顶，穹顶是由36根倾斜的Y型支柱支撑着上部结构的重量，支柱和波形穹顶边缘也取得了很好的视觉效果。这种通过技术表现艺术的方法，将形式和内容很好的融合。
2.3功能
产品的功能是指产品目的性、规律性的效能。产品的功能不光要考虑到人的物质需求，还不能忽略人的精神需要，所以要求产品要做到实用功能与审美功能和谐统一。
在现代设计中，产品功能的美感主要包括四个方面，其一是适用性，适用性就是要求合理，合乎客观规律所取得的主观与客观的统一。如老年人的手机满足老年人的特点，功能简洁，使用方便；专门为女性设计的手机要符合女性的气质，颜色要漂亮，造型要美观等。其二是经济型，即产品设计的一般要求用最简洁的设计语言或操作技术达到最佳的设计成果。其三人文性，可理解为设计产品要体现人文信息和文化内涵。来自设计大师JasperHou的时钟，窗格采用黄金比例进行分割，将黑、白、米色进行组合的红色指针，给人时尚简约的感觉。其四，功能美的精神愉悦性。即消费者在使用产品的过程中能有愉快的精神体验。设计师OleksandrShestakovych设计的一款热情亲切的椅子，椅子的把手部分像一个伸开双手正热情迎接你的拥抱，给人以亲切感。
2.4色彩
色彩是一种非语言形式，利用色彩可以将一些情感、形象等不能看到的事物，通过人类的眼睛感知视觉形象表现出来。在人们的生活中，从商品的陈列到市内装饰和日常衣着，都因为色彩而倍感光彩。
中国联通的标志是由“中国结”演变而来的，凝聚了中国元素，以红色的中国结作为主要元素，象征了好运、吉祥，体现了创新与时尚。黑色水墨书写的文字也将企业的凝聚力和包容力表现出来，采用这两种颜色使其具有稳定性更有张力的特点。
3、学习艺术设计美应重点注意的问题
3.1世界是发展的，人类也是发展变化的，因此我们应当用发展的眼光去看问题。艺术设计美学在历史的发展中也是以动态的形式形成的，因此这也决定了设计艺术美学在概念、研究对象等方面的不确定性。
3.2艺术设计是一门综合性极强的学科，具有复杂性的特点。
结语
艺术设计美学作为艺术哲学的一部分，是M行平面设计创作的基础，也是加强学生综合素质的重要途径。因此，作为平面设计专业的学生应该加强对艺术美学的学习培养发现美的能力，从而得到更多方法，使我们在平面设计的学习中，能对字体、图片和其他符号进行合理化的设计，使其具有创新性和美学价值。
如今的艺术设计不仅局限于产品的外观与结构，而是对新的生活方式的设计，是人类发展的设计。在审美已经成为人们日常生活需要的今天，产品的美学价值要比实用价值更能吸引消费者的注意，这就要求设计师必须多方面考虑，才能设计出符合消费者需求的高层次产品。
【参考文献】：
[1]陈望衡.艺术设计美学[M].武汉：武汉大学出版社，2005.07.
[2]尹定邦.设计学概论[M].长沙：湖南科学技术出版社，2009.
[3]唐家路.耿明松.张爱红.设计艺术学概论[M].北京：清华大学出版社，2013.01.
――亚瑟姆塞克勒
传奇人物亚瑟姆塞克勒(1913-1987)，美国最负盛名的艺术收藏家之一，以医药起家，被收藏界喻为“当代美第奇”(编者注：美第奇，文艺复兴时期意大利佛罗伦萨的著名家族，富可敌国，以收藏艺术品和赞助艺术家而著称。众多伟大的文艺复兴艺术家，包括达芬奇、米开朗基罗、多那太罗，以及科学家伽利略、米兰多拉等，与美第奇家族都有着密切的交往)。
“我像一个生物学家一样收藏。要想真正了解一种文明或一个社会，必须拥有足够的主体材料。如果只看毕加索和亨利莫尔的作品是不能了解二十世纪艺术的。”这是塞克勒的收藏名言――对艺术的热爱以及资金上的雄厚支撑促使了塞克勒逐步建立起自己的收藏体系。
从20世纪30年代起，塞克勒开始收藏艺术品，他最初的收藏是美国艺术家的绘画，之后又收藏文艺复兴和文艺复兴早期的绘画以及法国印象主义和后印象主义的绘画。1950年，塞克勒偶然中看到了一张造型简洁优美的中国明代小桌，由此开始了他收藏中国艺术品的历程。为透彻理解中国文化，塞克勒搜集了大量的中国古代文物，并成为国际最知名的中国艺术品收藏家，藏品种类包括青铜器、玉石、陶器、金属制品、纺织品、雕塑和绘画等。
塞克勒一直对帮助中国保存丰富的文化遗产怀有浓厚兴趣，他憧憬可以建立一个汇集现代博物馆学所有元素的“教学博物馆”，希望这座博物馆能够成为一个现代博物馆的范例，同时也为北大学生提供学习博物馆学的场所，包括学习博物馆的气温控制、艺术品的储存与安全以及考古人员和博物馆管理人员的培训等。
博物馆选址北京大学风景优美的西门一处，为了博物馆的建筑风格与北大校园的风格能和谐相融不突兀，塞克勒特地从纽约邀请建筑师事务所进行设计，并与建筑师及北大人员反复磋商――新的博物馆被设计成明朝建筑的风格，中间有一个庭院。然而，深为遗憾的是，塞克勒因心脏病突发，于1987年5月26日在纽约去世，未能亲眼目睹博物馆的落成。塞克勒去世后，博物馆的建设得到了其遗孀吉尔塞克勒夫人以及“塞克勒艺术、科学和人文基金会”的大力帮助和支持。博物馆于1993年5月23日开幕，为了庆祝博物馆开幕，从1993年5月28日到31日，举行了为期4天题为“进入21世纪的中国考古学”学术会议，该会议由“塞克勒艺术、科学和人文基金会”赞助，并由北京大学考古学院承办。来自美国、欧洲、日本、新加坡、香港、台湾和澳门等国家与地区的考古学家与来自中国内地的同行，共计100多位学者应邀参加了会议，此会成为中国改革开放后东方和西方考古学家的第一次隆重聚首，会议讨论了中国艺术和考古领域的学术及进展，确立了中国考古学未来的合作议程。更有意义的是，《“进入21世纪的中国考古学”国际研讨会论文集》则在此次会议后编辑出版，成为宝贵的研究资料。
关键词:艺术创作;情感;艺术设计
中图分类号:J20文献标识码:A
TheEmotionsandArtisticDesignofPaintingCreation
WANGLin-lin
一、情感的表达是艺术创作中的重要因素之一
二、如何审视生活美与艺术美
三、绘画艺术与艺术设计相互渗透
在快速发展的当今社会,艺术与现代生活联系得是如此之紧密,艺术设计已渗透到了现代生活中的方方面面。艺术设计与绘画艺术各自具有不同的特点,但在思维方式上,在创作中二者相互影响与交融共进,将随着人类社会的进步不断向前发展。
1.绘画艺术与艺术设计共性与个性绘画艺术和艺术设计从人类艺术发展历史的过程看,两者是同根同源,但是随着社会、经济文化的进步发展而出现分离,所以我们不能简单地把两个概念分开理解,更不能把两者置于相互对立。绘画艺术是在平面上创造图象。绘画是运用点、线、色彩、明暗、透视、构图等手段,在平面上创造图象,反映现实生活和表达审美感受、思想情感的艺术。
他还是一位文艺复兴时期的多项领域的博学者,上知天文下知地理。他无穷的好奇与创意在艺术创作方面,解决了造型艺术三个领域――建筑、雕刻、绘画中的重大问题。总之,现代绘画艺术与现代艺术设计之间发生着千丝万缕的联系。我们从架上绘画之象征到设计中意念的传达,从空间处理到图形设计的空间感与虚拟性,和建筑设计里的含蓄意寓。我们都可以不断尝试新的绘画艺术形式和艺术效果的创作。这将对绘画观念的更新有着巨大影响。绘画与设计在相互碰撞,相互融合中才能得以更好、更快的发展。
参考文献:
[1]唐鼎华.观察与思考[M].北京:中国建筑工业出版社,2003.
[2]孙国兴、高士明.视觉的思想――“现象学与艺术”国际学术研讨会论文集[C].杭州:中国美术学院出版社,2005.
[3]周来祥.中国美学主潮[M].济南:山东大学出版社,1992.
[4]李砚祖.视觉传达设计的历史与美学[M].北京:中国人民大学出版社,2000.
【关键词】刘勰
《文心雕龙》美
美感方法论
刘勰的《文心雕龙》博大精深，历来被认为是我古代最系统、最完整的一部文学理论专著。自60年代以来，“龙学”研究者开始从美学角度对《文心雕龙》加以研讨，开掘其中深邃的美学思想，成果显著，遂使这一当代显学的研究上升到了一个新的高度。但有些问题尚需进一步澄清，另有些问题则有待深入开掘和拓展。这里谈谈个人的见解，补苴罅漏，故名之曰“发微”。
一
对美的本质，作为一种美学思想是必须首先加以界定的。刘勰一方面从宇宙本体论出发，认为美就是“文”，而“文”则是一种客观存在，它作为“道”的一种形式原出于“自然”。这就肯定了美的客观性。另一方面他又从人类中心说出发，认为美是作为万物的中心的人创造的，“文”作为心灵的显现原出于人。这就又从另一个角度肯定了美的主观性。同时，他自觉或不自觉地把美划分为三种范畴，即自然美、人文美、艺术美。从宇宙本体论出发，他认为自然美是客观存在，不以人的意志为转移；从人类中心说出发，他认为艺术美是人的创造，带有主观性；而人文美则是天人合一的产物，既有客观因素又有主观因素。这就是刘勰对美的本质的认识。
对自然美，他认为这是先于人类，不依赖于人类而存在的，它不是精神的产物，而是自由自在的。《文心雕龙·原道》：“文之为德也大矣，与天地并生者何哉！夫玄黄色杂，方圆体分，日月叠璧，以垂丽天之象；山川焕绮，以铺理地之形；此盖道之文也。”“傍及万品，动植皆文：龙凤以藻绘呈瑞，虎豹以炳蔚凝姿；云霞雕色，有逾画工之妙；草木贲华，无待锦匠之奇，夫岂外饰，盖自然耳。”
在他看来，天地、日月和动物、植物即天下万物都有它美的形式，它不但不是人工所为，而且为人的创造所不及。这种认识源出于老子的“王法地，地法天，天法道，道法自然”和荀子的“王有常道矣，地有常数矣”，“天行有常，不为尧存，不为桀亡”一类朴素唯物主义的观点。
对人文美，他从天人合一的传统观念出发，认为人文美是与人类的生成所俱来的，天地万物都有其自然之美，天与地之间出现了人，也就有了人文之美。《文心雕龙·原道》：“仰观吐曜，俯察含章，高卑定位，故两仪生矣。惟人参之，性灵所钟，是谓三才。为五行之秀，实天地之心。心生而言立，言立而文明，自然之道也。”“夫以无识之物，郁然有彩，有心之器，其无文欤？”“人文之元，肇自太极。”
在他看来，天、地、人是所谓“三才”，即构成世界的三种本质因素，而人在三才之中是金、木、水、火、土这“五行”的精华所在，是有性灵之物。人有性灵，便会有语言文字借之以表达思想感情，这种用以表达思想感情的语言文字就是人文之美，这也是自然而然的。这种认识源于《易传·系辞》所表述的宇宙生成观：“易有太极，是生两仪，两仪生四象，四象生八卦。”即天、地万物的本源是“太极”。如果我们把“太极”理解为一种精神实体的话，那么这种观点显然是一种客观唯心主义。但这种客观唯心主义与前面所说朴素唯物主义也不无内在联系。或者可以说刘勰朴素唯物主义的美学观中不无唯心主义成份，客观唯心主义的某些观点中又不无唯物主义的含理内核。
至于他把人文美与自然美合而为一，相提并论，则是天人合一的传统观念的合乎逻辑的结论。天人合一是我国古代的一个哲学观点，《庄子·齐物》说：“天地与我并在，万物与我为一。”这种物我同一，人与天合为一体的境界为最高境界的观点，即天人合一的观点。既然天人合一，那么人之外的自然有其美，人也有其美，人文美也可以说就是一种自然美。这也是合乎逻辑的推论。刘勰把人文美等同于自然美虽然不尽科学，但人体之美，语言文字之美说它具有客观性也是不无道理的。其实从宇宙本体论的角度来说，人体自身也是一种物，不过是属别于“无识之物”的“有心之器”罢了。
对包括文学在内的艺术美，他从人文合一的角度出发，认为艺术美是人的创造，人具有这种创造能力和需要这种创造也是很自然的。《文心雕龙·明诗》：“人禀七情，应物斯感，感物吟志，莫非自然。”《文心雕龙·情采》：“若乃综述性灵，敷写气象，镂心鸟迹之中，织辞鱼网之上，其为彪炳，缛采名矣。故立文之道，其理有三：一曰形文，五色是也，二曰声文，五音是也；三曰情文，五性是也。五色杂而成黼黻，五音比而成韶夏，五情发而为辞章，神理之数也。”
在他看来，人受之于天而有喜、怒、哀、惧、爱、恶、欲等种种情感，人与外界相接触或受到某种刺激，就会有所感发，通过不同形式的感发来表达思想感情，这是很自然的事情。这也即人文合一的观念，它在《文心雕龙·原道》中有更为明确的表述：“心生而言立，言立而文明，自然之道也。”他还认为这种性灵的抒写就是一种美。显然，如果说《文心雕龙·原道》所说“文之为德”之“文”指自然更美，“人文之元”之“文”指人文美，那么这里的“立文之道”之“文”就是指艺术美了。而且艺术之美既包括文学之美的“辞章”，也包括美术之美的“黼黻”和音乐之美的“韶夏”。它们都是人的创造，而人之所以能有这种创造性，则为“神理”所支配。这“神理”便是天道自然的宇宙本体论，由天道自然的宇宙本体论而天人合一，由天人合一而人文合一，有其内在的必然逻辑。
在对刘勰的美学思想的研究中，有一种观点认为，刘勰论美的出发点是“心”，美不是客观的，而是主观的产物，就此提出，在《文心雕龙》中“‘心’是美的内核。”〔1〕与此相近的观点，还有人认为“刘勰把感情视为艺术的本源，灵魂和血液。”〔2〕这种观点似有以偏概全的弊端。我们肯定刘勰把艺术美视为人的创造，但同时也肯定刘勰把这种创造的本源归之于客观世界，这在前面的阐述已清晰可见。那么，如果把美或艺术美的核心、本源仅止于艺术家的内心或感情，那就不仅不符合《文心雕龙》的本意，而且无异于把刘勰对美的认识归之于唯心主义的一派了。这是我们所不能苟同的。
二
对审美标准或批评标准，刘勰提出了“六义”说和“六观”说。《宗经》“六义”是：“一则情深而不诡，二则风清而不杂，三则事信而不诞，四则义直而不回，五则体约而不芜，六则文丽而不。”这里的“情”、“事”、“义”主要是从思想内容方面提出的标准，即感情深厚而不做作，事实具体而不虚妄，观点正确而不诡诈。
“体”、“文”主要是从艺术形式方面提出的标准，即文风简炼而不繁冗，语言华美而不靡丽。“风”则主要是指作品在社会中能产生积极的教化作用而不致造成思想混乱。《知音》“六观”是：“一观位体，二观置辞，三观通变，四观奇正，五观事义，六观宫商。”“位体”是谋篇立体，“置辞”是遣词造句，“通变”是继承与创新，“奇正”是新奇与雅正，“事义”是选材与用典，“宫商”是平仄与韵律。这里包括了文学作品的诸多方面，既有题材、主题问题，又有语言、风格问题，乃至创造方法问题等，刘勰对审视文学作品考虑得是非常全面的。
如果我们再在内涵上把“六义”和“六观”加以对照，就会发现它们存在着一致性，即都强调了要从内容和形式两个方面的诸多因素中来要求和衡量文学作品，都强调了艺术的和谐完美。不同之处在于“六义”突出了作品的思想情感和社会效果问题，而“六观”则补充了创作方法（通变）和艺术风格（奇正）方面的问题。综观“六义”与“六观”，它们与前面所提审美原则是一致的，不过是在和谐统一这一美学原则下所派生的具体命题，“六义”侧重于创作方面来谈，所指范围大些，“六观”侧重于品评方面而言，所指范围小些，两者相辅相成共同构成了刘勰的审美标准和批评标准。
三
美感是美学中在研究美这个对象而外，需要研究的另一个对象，美感研究包括研究审美活动中的感知、移情、联想、思维及情感等实践活动内容。关于刘勰的美感论以前人们论及较少，一般都以为在刘勰所处的时代，对美感这一较复杂的美学问题还难以从理论上加以把提。我们认为，虽然《文心雕龙》中并未提到“美感”一词，“美感”只是在近代我国译介西方美学著作时产生的一个概念，但是这并不能说明《文心雕龙》并未论及有关美感的一些实质性问题。实际上，对美感接受的生理基础和心理基础、审美的认识过程，美感的共同性和差异性等问题，刘勰在《文心雕龙》中都有所论及，只是尚未运用“美感”“审美”等现代美学概念罢了。刘勰美感论的基本观点主要反映在《知音》、《神思》、《物色》、《总术》、《养气》等篇目之中。
他这样论及艺术鉴赏中美感的生理基础和心理基础。《文心雕龙·知音》：“故心之照理，譬目之照形；目则形无不分，心敏则理无不达。”《文心雕龙·总术》“视之则锦绘，听之则丝簧，味之则甘腴，佩之则芬芳。”刘勰认为，无论对自然美、人文美还是艺术美的鉴赏，美感的产生也都首先起自作为生理基础的感觉器官，即“目”、“视之”、“听之”，舍此，无法进入鉴赏过程，美感也无从谈起。但在鉴赏中感觉器官的审美感知同样有待于上升到作为心理基础的心灵观照，即“心敏”、“味之”、“佩之”，通过心领神会，通过咀嚼和把玩，才能真正触及美的意境和真谛。无论在艺术创造中还是在艺术鉴赏中，刘勰认为生理基础和心理基础都是不可或缺的。关键在敏锐的洞察力和较高的审美情趣。
美感在艺术创作和艺术鉴赏中都有一个心理过程，即审美认识过程，只有通过这一过程在创作中才能构成艺术形象，在鉴赏中产生审美愉悦。审美认识过程是复杂而微妙的。刘勰对此也有形象的描述。《文心雕龙·物色》：“情以物迁，辞以情发。”《文心雕龙·知音》：“夫缀文者情动而辞发，观文者披文以入情，沿波讨源，虽幽必显。世远莫见其面，觇文辄见其心。”“夫唯深识鉴奥，必欢然内怿，譬春台之熙众人，乐饵之止过客。盖闻兰为国香，服媚弥芬；书亦国华，玩泽方美。”
刘勰认为，在创作中创作冲动由客观世界美的事物所引起，文辞这种美的表现形式则产生于作家由美的事物所激发的思想感情。在创作中美感表现为“物——情——辞”这样一个心理过程。而在鉴赏过程中，审美主体首先接触到的是文辞，由文辞而在自己的心灵中唤起作家所体验过的情感，由此而认识世界。在鉴赏中美感表现为“辞—情—物”这样一个相反的心理过程。这也就是孟子所说的“以意逆志”。对由审美鉴赏所唤起的审美愉悦，即“深识鉴奥”“欢然内怿”。刘勰引用了《老子》中的两段话来作比喻，一是第二十章中的“众人熙熙，如享太牢，如登春台”。一是三十五章中的“乐与饵，过客止”。这两个比喻形象而恰切地说明了艺术鉴赏中的审美。
在美感的心理过程中离不开移情和联想。所谓移情就是审美主体把情感外射到与“我”相对立的“物”上去，使审美主体的情感也为外物所具有，即达到物我同一的境界。刘勰对这种移情现象也有生动的描述。《文心雕龙·物色》：“春日迟迟，秋风飒飒。情往似赠，兴来如答。”《文心雕龙·神思》：“登山则情满于山，观海则意溢于海。”
刘勰认为，“情”本为人类所有，自然物无所谓“情”，但在审美的心理过程中人的情感便会自觉不自觉地转移到物上。譬如，无论春暖花开之日还是秋风萧瑟之时，都会牵动人的感情，在观赏自然景物之际把自己的特定情感象馈赠那样赋予自然物，自然物引起自己的兴致又象它对自己的酬谢一样，通过心与境的交融达到了物我同一。再譬如，富于情感的艺术家，登上高山似乎山都化作自己的情，面临大海似乎一望无际的海面都洋溢着自己的情。只有通过这种移情才能创造出美的意境，假若置身于良辰美景之中无动于衷，泰然处之，也就不会有美的创造。
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美感有其共同性，这种共同性使审美成为全人类的活动，使艺术创造和艺术鉴赏在人与人之间沟通起来，但美感又有其差异性，它使艺术创作五彩缤纷，也满足了人们在艺术鉴赏中的不同需求。刘勰论美感的共同性已如上文所论，它是全人类相通的“性情之数”，即人的共同生理和心理所构成的客观规律，亦即“爱美之心人皆有之”。刘勰还注意到了美感的差异性。《文心雕龙·知音》：“夫篇章杂沓，质文交加，知多偏好，人莫圆该。慷慨者逆声而击节，酝藉者见密而高蹈，浮慧者观绮而跃心，爱奇者闻诡而惊听。”刘勰认为，由于美感的差异性不仅创作会有不同的风格，鉴赏也会有偏爱和异趣。
四
刘勰的美学思想在我国6世纪空前地达到了时代的高度，可谓独步当时。对其后的美学思想也产生了重大影响，而且为后来的中国古代美学论著所难以企及。先进的理论成果总是与先进的方法论联系在一起的。因而，《文心雕龙》美学成就的取得与刘勰掌握了比较科学的方法论分不开。
例如就作品与读者的关系，刘勰是这样论述鉴赏与批评的。《文心雕龙·知音》：“夫篇章杂沓，质文交加，知多偏好，人莫圆该。”这里一方面谈到作品本身的复杂情况，即文体的驳杂，内容与形式的诸多方面结合等；另一方面又谈到读者的复杂情况，即人们审美情趣和学识见闻的差异等。正是由于这两方面的复杂情况造成了鉴赏与批评的见解多异，因而必须有一个正确的态度。这样也就避免了片面性。
对整体与局部的关系，刘勰是这样论述作家创作的决定性因素的。《文心雕龙·体性》：“然才有庸俊，气有刚柔，学有浅深，习有雅郑，并情性所铄，陶染所凝；是以笔区云谲，文苑波诡者矣。”这里刘勰视文苑为一整体，每一个作家都是一个局部，文苑的整体是由每一个作家的作品所构成的，所以出现了丰富多彩而又五花八门的局面。同时，他又视每个作家为一个整体，每个作家的创作又由他的才、气、学、习这四个局部因素所决定，所以出现了风格各异的作品。这样就把问题看得很全面了。
对内在本质与外在形式的关系，刘勰是这样阐述情与采的关系的。《文心雕龙·情采》：“夫水性虚而沦漪结，木体实而花萼振，文附质也。虎豹无文，则郭同犬羊；犀有皮，而色资丹漆，质待文也。”刘勰对作品内容与形式的剖析，首先看到了它们的相互依存不可分割，接着指出了内容对形式的决定性作用，这样就使人们对作品的构成有一个全面、透彻的认识，而且在论述中，他把理论与意象的对立统一起来，给人以十分生动形象的理解，不可不谓手段高超。
再如《通变》中的“夫设文之体有常，变文之数无方”，“参伍因革，通变之数也”。则从历史的纵向阐述了继承与革新的辩证关系。同时，我们还应看到，刘勰的辩证思维方法是在不同角度上，不同层面上展开的，而且有其系统观点和系统方法。
五
刘勰美学思想的哲学基础是对儒、道、释的博采众长，兼收并蓄，并在汲取它们的合理内核的基础上，上升到了一个新的高度。其美学思想自然也受到儒、道、释的深刻影响。如儒家的天人合一，以意逆志，共同美感和论自然美等，道家的天道说、辩证法思想等，对此前贤已有所研究，但对其美学思想方法论渊源的研究却有待深入和拓展。
另外，佛门的“中道”说也使刘勰的理论不偏激、不片面，做到他所说的“圆照”、“圆览”。佛典《大智度论》卷四十三：“常是一边，断灭是一边，离是二边行中道，是为般若波罗密。”佛门的“中道”论认为，“常见”和“断见”都是偏执一端的，只有离开“常见”和“断见”二边而取中道，即看到事物的迁流无常和又相续不断，才能把握真谛。这其实与儒门的伦理思想和思维方式的“中道”或“中庸”相暗合。
在《文心雕龙》中对因明和中道的运用，可以说俯拾皆是。《原道》中的“心生而言立，言立而文明”，“夫以无识之物，郁然有彩，有心之器，其无文？”便是明显运用因明所作的演绎推理。《序志》“若乃论文叙笔，则囿别区分”便是对因明学中属种关系划分的运用。正因如此，所以全书在整体上“上篇以上，纲领明矣”，“下篇以下，毛目显矣”。至于“中道”论也是贯穿全书，《序志》批评“魏《典》密而不周，陈《书》辩而无当，应《论》华而疏略，陆《赋》巧而碎乱，《流别》精而少巧，《翰林》浅而寡要”，却又不无自负而自信地说，“岂好辩哉？不得已也”。那么，他不同于他人的立论方法就在于“弥纶群言”，“同之与异，不屑古今；擘肌分理，唯务衷”。但是，他又并非不偏不倚，骑墙式地“折中”，而是“及其品列成文，有同乎旧谈者，非雷同也，势自不可异也；有异乎前论者，非苟同地，理自不可同也”。其“中道”的核心还在“势”与“理”。
六
所谓“言法”，《墨子·非命上》说：“言必立仪”，“言”是立论，“仪”是法度。确立思维的两大原则，即理由原则和同异原则。理由原则是“立辞必明其故”，同异原则包括同一律、矛盾律和排中律等。《墨子，经上》说：“同异而俱于之一”，这是同一律，大体如我们所说在同一思维过程中，一个思维形式保持自身同一。《墨子·经下》说：“彼彼、此此与彼此同，说在异”，这是矛盾律，大体如我们所说在一个思维过程中，一个思维形式不能既是A又是非A。《墨子·经下》还说：“合与一，或复否，说在拒”，这是排中律，大体如我们所说在一个思维过程中，一个思维形式不能既不是A又不是非A。总之，“言法”是讲思维规律。
所谓“立名”，《墨子·小取》：“以名举实”，即通过下定义来确定概念的内涵与外延。他把“名”划分为三种：达名，即范畴；类名，即普通概念；私名，即单称概念。至于下定义的方法，《墨子·大取》又划分为三种：“以形貌命者”，“以居运命者”，“以举量数命者”。确定概念的外延离不开对概念的分类即属、种划分，《墨子·经下》：“区物一体也，说在俱一唯是。”这就是说要把同一属的事物划分为若干种。总之，“言辞”是概念论。
所谓“立辞”，《墨子·小取》：“以辞抒意”，即联合两个概念来反映事物的本然的联系，属判断论。所谓“立说”，《墨子·大取》：“夫辞以故生，以理长，以类行者也。”即演绎推理。“故”类于因明之“因”，“理”类于因明之“喻”，“类”类于因明之“宗”。《墨子·经下》：“在诸其所然未然者，说在于是推之。”即归纳推理。所谓“辞过”则为谬误论。
刘勰的美学思想及其方法论都空前地达到了时代的高度，它不仅对我国古代美学思想的发展有着不可估量的影响，而且对我们今天建立具有中国特色的美学理论体系也有着重要意义。而我们对这方面的研究只能说是翻开了新的一页，而决不是它的终结。（收稿日期：1995年12月2日）
注释：
〔1〕胡学远，赵伯英：《“心哉美矣”》，《苏州大学学报》1984年第3期。
〔2〕易中天：《刘勰论美的原则》，《武汉大学学报》1982年第1期。
〔3〕牟世金：《雕龙集》，中国社会科学出版社1983年版，第294页。
〔4〕〔8〕〔12〕马白：《美学纵横论》，中外文化出版公司1989年版，第352、306、310页。
〔5〕《马克思恩格斯论艺术》（一），人民文学出版社1960年版，第244页。
〔6〕范文澜：《中国通史》，人民出版社1978年，第531页。
〔7〕〔10〕刘永济：《文心雕龙校释》，中华书局1962年版，第2页。
〔9〕李泽厚、刘纲纪：《中国美学史》第二卷下，中国社会科学出版社1987年版，第609—610页。