命运的悲鸣：马勒第六交响曲赏析,下面一起来看看本站小编泽农是我给大家精心整理的答案，希望对您有帮助
当谈论古斯塔夫·马勒的第六交响曲时，有时候听到人们使用“不可描述”的话语来描述它，这主要是因为它是一个充满戏剧性和悲情的作品。它将人生的悲情、戏剧性以及对人生的反思串联在一起，深刻反映出了作曲家对人的生命和命运因无法避免的不确定性而导向的不同面向的竭力思考。虽然它的音乐语言有着非常现实的基础，但马勒的音乐旨在超越现实，探索更广阔、更宏大的主题，关于这个主题，我们需要循序渐进细细道出。这里我需要先对每个乐章作出一个主观性的浅析：
第一乐章（“不安的漫步”）：它被认为是交响曲中最悲惨的乐章之一，展现了一个颓败的人生境地。整个乐章的开头是一个缓慢的进行式，由低音管、大提琴和定音鼓奏出，引出了一个弱弱的主题，即后来成为整个乐章主旋律的“不安的漫步”主题。它的音调阴郁，给人一种沉重、忧郁的氛围。而在这个主题之后，交响曲中的许多主题都暗示了命运的不可避免，以及面对命运的困境和挣扎。
第二乐章（“慢板”）：这是一段柔和、缓慢的行板。乐章开头是一个小提琴独奏，由此展开了一个悲伤而富有表现力的旋律。这个乐章的特点是它强烈的动态变化和丰富的音色变化，它表达了马勒对生命的深沉思考，对幸福与命运的反思。乐章结束时，乐器的声音逐渐沉寂，听众留下了沉重的思考和回忆。
第三乐章（“舞曲”）：这是一个轻快、活泼的舞曲，给人们带来了一丝缓和的喜悦。这一乐章通常被称为“莫扎特小步舞曲”，因为它的音乐风格类似于莫扎特的小步舞曲。这一乐章以弦乐器和管乐器的分散的音符开头，而后快速跳跃的弦乐器的乐句穿插其中。这种轻快的音乐风格很快会被一个中段所打断，这段中段以乐队中的两个铜管乐器作为主角，其中号角手吹奏出的旋律非常柔和优美。这个乐章主要由一个高度节奏化的主题组成，强烈的节奏感给人一种强烈的动感。然而，在乐章的结尾，出现了一声强烈的响音，它将舞曲的喜悦瞬间打破，揭示了人生的短暂和命运的无常。
第四乐章（“终曲”）：这个乐章是整个交响曲的高潮，也是最为引人注目和最为复杂的乐章之一。它有着严格的结构和巨大的音响冲击力，充满了戏剧性和威严。在这个乐章中，马勒采用了大量的打击乐器、低音管和号角等深沉的乐器，使音乐更加有力。乐章的开始是一个有力的主题，它有着强烈的节奏感和强大的声音。随后出现了一段悠扬的旋律，由弦乐器演奏，这个旋律在整个乐章中反复出现，并且在后来的段落中不断地演变。在这个乐章中，马勒通过交错的旋律、和声和节奏，创造出一种庞大而复杂的声音结构，使得整个乐章具有强烈的变化和发展性。乐章的结尾是一段嘈杂的铁锤击打，让听众感到不可避免的痛苦和绝望。
从对这四个乐章进行这样的总结性解析阐述文字可以看出，马勒第六交响曲不仅是一部音乐杰作，更是一部思想和情感的体现。它反映了马勒对生命和死亡、命运和自由、爱和哀愁等深刻主题的思考，以及他对人类命运的关怀和追求。它不仅是一部具有文化价值的音乐作品，更是一部深刻反映人类生命与文明的艺术杰作。
接下来我想再谈一谈最后一个乐章，它是如此令我狂迷：
这个个乐章（被称为“悲剧结局”）是这部交响曲的最大亮点，这一乐章是整个交响曲最具有戏剧性的部分，它也是音乐史上最有争议的结尾之一。这个乐章的全名是“AllegroModerato-AllegroEnergico-Andante-Allegro-Maestoso”，这是一个复合结构的乐章，包括五个部分，它们在音乐性和情感上都有不同的表现和发展。这也是一段非常沉重的音乐，标记为“沉重、沉闷”。乐章中运用了大量的弦乐器和低音乐器，营造出一种庄严、哀伤的氛围。整个乐章的音乐气氛阴郁、沉重，给人一种深深的悲痛和失落感。
这个乐章开始于一个慢节奏的旋律，这个旋律可以被看作是整部交响曲的主题的再现。接着，音乐渐渐加快，展现出一种强烈而振奋人心的音乐氛围，似乎在呼应着第一乐章中的命运主题。随着乐章的发展，音乐逐渐转向了柔和的、充满温情的部分。这个部分中的“Alma”主题再次出现，展现了作曲家对家庭和爱情的渴望和眷恋。
接着，音乐再次变得激昂和热烈，这个部分展现出了一种无尽的精神力量和战斗精神。然后，音乐逐渐变得安静和缓和，展现出一种平静的、甚至是柔和的氛围。这个部分中的主题以一种凄美而动人的方式再次出现，似乎在暗示着生命的脆弱和不可逆转的命运。
最后，乐章以一个庄严、宏伟的主题结束，这个主题被认为是马勒对死亡的思考和对永恒的追求的表达。这个乐章的结尾被马勒写成了非常宏大的形式，使得整部交响曲以一种壮丽而感人的方式结束。
另外，第四乐章的位置安排也使得人们不得不很在意这整部作品的结构，第四乐章的位置明显违背了当时交响曲的惯例，因为传统上交响曲的最后一个乐章通常是一段欢快的终曲，而第六交响曲的最后一个乐章却是一段悲伤的曲子。马勒之所以作出这种结构安排，是因为他认为生命中总有一些事情是无法避免的，命运会给予我们不幸和挫折，而无论我们怎样努力，终究无法改变这些事实。这种深刻的思考使得第六交响曲在当时的音乐界引起了很大的反响，甚至被一些批评家称为“反音乐”。
在聆听这部作品时，我们可以从中感受到很多有趣和独特之处：
马勒第六交响曲中的结构也非常有趣和独特。作曲家将乐章的顺序从传统的快-慢-舞蹈-快调整为了慢-快-快-慢。这种结构不仅强化了乐章之间的连贯性，同时也让乐章的情感表达更加自然和流畅。
此外，作曲家在交响曲中还使用了大量的象征意义。比如，铁锤在第一乐章和第三乐章的结尾被使用，象征着不可避免的命运和痛苦。此外，在第三乐章中，马勒采用了一种叫做“奇怪”的节奏，它象征着人们在面对困难和痛苦时的挣扎和不安。
在音乐理论上，马勒第六交响曲也有其独特之处：首先，这部作品的编曲和管弦乐手的配置都非常复杂和丰富，其中包括大量的铜管、打击乐器和键盘乐器。这些乐器在作品中的运用非常巧妙，既能够营造出极具冲击力和张力的音效，又能够细腻地表现出作品中的情感和哲学内涵。其次，马勒第六交响曲中的旋律和主题也非常独特和富有表现力。例如，第一乐章中的主题非常简单，但却充满了悲壮和沉重的情感，很好地体现了作品中的“命运之歌”主题。而第三乐章中的“Alma”主题，则是马勒为其妻子写的一首歌曲中的旋律，这个旋律在作品中多次出现，并表现出了马勒对家庭、爱情和幸福的向往和渴望。
除了音乐结构、象征意义以及音乐理论，马勒第六交响曲中的一些具体音乐元素也总是不停地却又自然而然地刺激我们的感官，引发我们精神思考。
在第一乐章中，主题旋律由低音提琴奏出，具有强烈的下降音阶感，强调了作品中悲观的基调。而在第二乐章中，节奏感更加强烈，伴随着强有力的打击乐和管乐器的呼吸声，让人感受到强烈的生命力和动力。第三乐章则采用了细腻的音乐手法，通过轻柔的弦乐器和舞曲的节奏感，让人感受到音乐中对生命的美好追求和渴望。
最后的第四乐章，被称为“离别之曲”，是马勒所有交响曲中最具感染力的一部分。它的旋律充满了温柔和充满感情的主题，象征着人们与所爱之人的离别。乐章中的旋律经常在不同的音响空间中反复出现，让人们感受到强烈的空间感。最后，整个乐章在深情的和声和美妙的和弦中结束，这种和声和弦被认为象征着人们对美好事物的渴望和追求。
此外，马勒第六交响曲还包含了许多音乐手法、技巧及大量的音效效果，如主题的变奏、模拟自然声响、对位法和序列等等，再例如巨大的管弦乐队，小型铃铛，以及一些非传统的乐器等等，这些手法非常巧妙地运用在作品中以及音效的自然融入，使得作品的音乐性和表现力都非常出色。并且马勒以其独特的音乐语言，将各种乐器的声音与人声结合在一起，创造出了一种极具情感冲击力的音乐效果。马勒还在交响曲中引入了大量民间音乐元素，包括歌曲、舞曲和风格化的音乐描绘，这些元素展现出了马勒对传统音乐的深刻理解和对音乐多样性的追求。
马勒第六交响曲是一部充满创新和表现力的音乐作品，它所展现的深刻主题和精湛技巧，让它成为了音乐史上的经典之作，也为后世的音乐家和作曲家提供了无限的启示和借鉴。它也是一部充满思想性、情感性和音乐性的杰作，它不仅是音乐史上的经典之作，也是对人类经验的深刻思考和探索。它探讨了人生中的痛苦和苦难，以及人们面对命运时的勇气和坚强。第一乐章的庄严而沉重的音乐表现了生命中的悲痛和无力感，而第二乐章的田园风格则展现了生命中美好的一面。第三乐章中，马勒通过铃铛的使用，呈现了人生中的命运之轮，无论你处在何种境遇，命运的轮盘都会不断转动，而第四乐章则是整个作品的压轴之作，它表达了一个悲惨的结局，歌颂了人类的坚韧与生命的价值。因此，无论是在音乐上还是文化意义上，它都具有非常重要的地位。
在欣赏这部作品时，我们也可以从中感受到马勒对音乐的无限热爱和深刻理解。他的音乐充满了情感和灵魂，每一段旋律都在诉说着作曲家对生命和人类经验的深刻思考。它挑战了当时音乐传统的观念，同时反映了那个时代的文化和社会状态。它的音乐风格和创新性以及它所表现的人生哲学和思想即使在当下依然具有重要的意义和价值。这也是这部作品之所以成为20世纪最经典的作品之一的原因之一，也是马勒之所以成为20世纪最杰出的作曲家之一的原因之一。
马勒的“命运”的无奈及趣闻：
马勒第六交响曲的结局也一直备受争议。在一些版本的演出中，第四乐章的结尾被刻意削弱，使得作品的结尾听起来更加开放和含糊不清。而在一些版本的演出中，第四乐章则被演奏得更加激烈和猛烈，使得作品的结尾更加悲惨和绝望。这种争议也反映了人们对于这部作品的不同理解和解读。
关于马勒第六交响曲的命名，也存在一些有趣的历史趣闻。在马勒完成这部作品之后，他曾将它命名为“三部组曲”，因为他认为作品中的三个乐章可以单独演奏而不必以交响曲的形式呈现。不过，在作品首演之前，马勒又决定将它改为交响曲，但是他对于乐曲中心思想的描述却发生了很大的变化。在原本的“三部组曲”版本中，马勒将作品描述为“有一种疲惫的感觉，没有一个特定的结构，只有一种巨大的迷惘”。而在交响曲版本中，马勒则将作品描述为“一个男人的命运之歌”。
此外，还有一些有趣的传说与马勒第六交响曲有关。其中最著名的一则传说就是“命运之铃”传说。据说在创作这部作品时，马勒曾将一枚铃铛挂在交响曲的结尾，并表示这枚铃铛代表命运之神在作品结尾处的降临。马勒认为，在这个时候，铃铛应该被响起来，以使得作品的意境更加完整。然而，在马勒去世后，铃铛在作品中的演奏变得越来越稀少，直到被完全取消。这也反映了不同指挥家和音乐家对于马勒作品的不同诠释和理解。
总之，马勒第六交响曲是一部充满传奇和争议的音乐作品，它的创作过程和演出历史都充满了有趣的故事和趣闻。但最重要的是，它所展现的深刻思想和音乐艺术价值，它在音乐性、情感表达和哲学内涵上都展现出了非常高的水平。在整个第六交响曲中，马勒把音乐语言发挥到了极致，以丰富多彩的音乐形式和情感表达，深刻反映了生命和死亡、命运和自由、爱和哀愁等深刻主题，引领听众进入一段充满情感共鸣的音乐之旅。这部作品对于后世的音乐家和作曲家来说，不仅是一部具有重要影响力的作品，也是一部永不过时的艺术杰作。
文|皮特休
编辑|皮特休
受惊吓的人从悬崖上跳入充满怪物的深渊，这是约翰奈斯·勃拉姆斯(1833-1897)创作的雷鸣般的音乐。
这些与19世纪早期德国传统的青翠的自然、浪漫和装饰性的阿拉伯式风格相去甚远。
这是马克斯·克林格尔(1857-1920)的奋斗愿景，在他的信条中马勒雷和蔡奇农(绘画和素描)宣称，音乐、诗歌和图形艺术是唯一适合主观探索生活的“阴暗面”及其徒劳、不公正和绝望的艺术。
三年后，这些信念实现了完成Brahmsphantasie(1888-1894)，一本37页的装订相册，包括这些图像和其他图像，总共23幅石版画和18幅凹版印刷(蚀刻、雕刻、水彩、墨色和干点)，其中穿插了勃拉姆斯的5幅作品的乐谱民谣(歌曲)，由克林格选择和安排，以及合唱团管弦乐队的钢琴声乐转录希克萨尔斯利德(《命运之歌》。
这后一部作品被写成了诗——宋的正文希克萨尔斯利德来自书信体小说土卫七作者弗里德里希·荷尔德林(于1797年和1799年分两卷出版)。
除非另有说明，插图由卫斯理大学戴维森美术馆收藏；这些都在公共领域。
这Brahmsphantasie以整版印刷打开，手风琴(和弦或和声)，在两个空白页之后，接着是五个民谣配乐中插入了各种大小的图片——通常沿着边界——描绘了一个充满欲望、失落、反思和失败关系的当代世界。
这一部分以另一个独立的印刷品结束，唤起他的钢琴、男钢琴家(克林格)、女人和暴风雨的大海——音乐释放出的视觉——的意象不断重复和变换手风琴天空中充满了战斗中扭动的身体。
翻滚的天空为下一部分提供了过渡:普罗米修斯传奇中的六个整版事件和第七页(荷马)关于哪首霍尔德林的诗希克萨尔斯利德这幅画描绘了一个年老的裸体荷马站在海滩上泰坦的尸体中间，身旁是被云所笼罩的朱诺和宙斯。
剩余页面Brahmsphantasie包含…的钢琴声乐谱希克萨尔斯利德用主要是反乌托邦的风景和人物的场景来说明，从而呈现出民谣插图。
该卷以最后的印刷结束，普罗米修斯自由了，描绘了一个精神受创的英雄，双手托着头，坐在他的解放者赫拉克勒斯旁边。
学者们一直在争论这部作品的结构(两个或三个部分)和解释，而音乐历史学家JanBrachmann最近提出，基本框架是由三个独立的版画(手风琴,唤起，以及普罗米修斯自由了)，都包括自画像，出现在整卷的开头、中间、结尾。
最早的绘画是Brahmsphantasie(普罗米修斯自由了)可以追溯到1885年，当时克林格还住在巴黎，但这个项目的大部分是在1888年到1893年克林格在罗马期间创作的。
这代表了他对这位作曲家的痴迷达到了顶点，他从十几岁就开始崇拜这位作曲家，并坚定地追求他，送给他艺术品，并为他画插图爱情与心灵(《丘比特与赛琪》，作品5(1880)。
到1886年，勃拉姆斯的两本歌曲集(作品86和96)由克林格尔印刷了扉页，这是勃拉姆斯的柏林出版商弗里茨·西姆罗克促成的一项任务。
那一年，克林格和勃拉姆斯第一次见面是在莱比锡，当时克林格从巴黎赶来参加勃拉姆斯的第四交响曲的演出，该音乐会于2月18日在Gewandhaus由这位作曲家指挥。
1894年4月，克林格拜访了在维也纳的勃拉姆斯，勃拉姆斯将他的《自行车》献给了克林格，并由此建立了友好的关系VierernsteGesnge(四首严肃的歌曲)，作品121(创作于1896年)。
这Brahmsphantasie虽然没有及时完成，但它被计划作为勃拉姆斯1893年5月7日60岁生日的纪念。
1894年初最初只印了5本，随后在10月份又印了150本。
这些是为有鉴赏力的收藏家准备的，他们可以阅读音乐，甚至在观看图像的同时弹奏钢琴曲。
勃拉姆斯很珍惜这幅作品，并在信中记录了他的感受，尽管他的支持者对此反应不一，如下所述。
这Brahmsphantasie可以被视为同类艺术家之间的交流，他们将一种媒介的情绪和内容转置到另一种媒介中。
勃拉姆斯对荷尔德林的忧郁精神、亥伯龙的最终复兴，甚至可能是作家的音调变化理论做出了回应，而克林格则声称他试图捕捉“这种情绪”Stimmungsgehalte“(情感的男高音)的诗歌和音乐，并“从那里环顾四周，继续，连接，或完成。
这与标题“幻想”或想象是一致的，这是一种避开逻辑的思维形式，符合克林格对图形艺术的定义，即通过“想法和联想”进行交流。
在这种情况下，克林格扩大，或“继续，”的主题希克萨尔斯利德意象唤起崇高和普罗米修斯和泰坦的故事，在勃拉姆斯的格桑-德尔帕岑(《命运之歌》，作品89(1883)，而亥伯龙是光之泰坦的名字。
《幻想曲》也表达了勃拉姆斯对克林格的钦佩，他在1886年称赞他的作品“丰富的发明，充满幻想，既有如此辉煌的严肃性，又有如此深刻的意义，同时引发了进一步的思考和反思。
勃拉姆斯在确定人类局限性和苦难的主题方面发挥了核心作用，他选择了霍尔德林的诗，然后在1885年敏锐地建议他的出版商西姆罗克希克萨尔斯利德或者格桑-德尔帕岑同样是为合唱团和管弦乐队创作的作品，改编自歌德的剧本金牛座上的伊菲革涅亚，将是最适合克林格艺术倾向的材料。
事实上，克林格最近完成了他的系列戏剧(1883年)，其内容是现代柏林的个人悲剧、暴力和社会不公，介绍了一个标题页的神话人物，并引用了霍尔德林的第三节希克萨尔斯利德“然而我们没有地方休息。
在选择十九世纪初德国希腊人文主义者(歌德和霍尔德林)的作品时，勃拉姆斯选择了一个他和克林格都从中获得艺术灵感的时期。
克林格最喜欢的作家包括让·保罗(1763-1825)和E.T.A.霍夫曼(1776-1822)。
勃拉姆斯和克林格，以及弗里德里希·尼采，都是赫尔德林崇拜者中的精英小圈子，赫尔德林是一位直到二十世纪才得到广泛认可的作家。
克林格用模糊的术语将他的照片描述为联想，但他们的灵感往往可以更精确地定位。
图像偶尔来自诗歌中的特定内容，而它们的设计有时在结构上和视觉上反映了页面上的音乐作品，正如Brachmann所出色地分析的那样。
通过这样做，克林格将勃拉姆斯定位为激情、悲剧和性爱的作曲家，与理查德·瓦格纳的进步音乐相抗衡，瓦格纳的支持者正在攻击勃拉姆斯音乐的潜力，他质疑崇高的性别关联，以构建一个男性和人类行为的转变模型，该模型动摇了理性控制和英雄统治。
崇高呈现了关于男性身份的矛盾选择。
伯克将其描述为与美丽形成对比的粗犷、力量和广阔，伯克将其与引发爱的感觉的物体(即，从异性恋男性的假定观点来看的女性)等同起来:小巧、光滑、柔软和精致。
然而，与此同时，崇高主要是由它压倒理性和使理性丧失能力的力量来定义的。
崇高是这个时候辩论的中心话题，当时贝多芬的遗产(崇高音乐的典范)正在勃拉姆斯和瓦格纳的支持者之间争夺，尼采在1888年对这两位作曲家以及崇高及其对神经和肌肉的影响发起了攻击。
与此同时，克林格与勃拉姆斯的捍卫者结盟，宣称这位作曲家和他的音乐像贝多芬一样“有男子气概”和阳刚之气，而不是像尼采和他的追随者所声称的那样无能和贞洁。
其中许多人是年轻一代，他们嘲笑勃拉姆斯的作品是冰冷的“大脑音乐”；他们重视本能和情感胜过理性。
对于一些批评家来说，勃拉姆斯在19世纪80年代末出现的晚期风格被认为是衰落的标志。
克林格的人物造型和表情也是基于音乐是一种体验的信念。
作为一名业余音乐家，他在自己的工作室里放了一架钢琴，克林格对聆听和演奏勃拉姆斯的生理反应有着切身的了解。
关于音乐对身体影响的讨论植根于对声音对神经、肌肉和血液循环的生理和心理影响的研究，在伯克的崇高理论中引入，在18世纪后期由约翰·乔治·苏尔寿和约翰·戈特弗里德·赫尔德继续讨论，应用于贝多芬，并在19世纪60年代由赫尔曼·赫尔姆霍茨的科学实验扩展。
正如将要看到的，作曲技术，如不和谐和突然的变调，与痛苦和音乐的崇高有关。
我对Brahmsphantasie这与他同时代的人认为勃拉姆斯的音乐
罗丹的作品为克林格提供了心理生理学产品的原型。
受勃拉姆斯音乐启发的克林格的男性行为形象也将在德国关于男性身份的不同观念和男性行为的冲突方向的背景下被考虑生活改革(生活改革)运动，侧重于通过自然再生，和威廉敏胜利的民族主义。
它将显示，克林格提出了非英雄状态的身体和精神痛苦，损失和失败的创伤的体育经典机构。
它们创作于艺术从学术传统到现代主义的过渡时期(正如爱德华·蒙克19世纪90年代的绘画以及维也纳和德国的表现主义中的病态痛苦的身体)，正如勃拉姆斯的音乐将古典的音调基础与更刺耳的色彩学和不和谐结合起来，根据安东·韦伯的说法，这将导致阿诺尔德·勋伯格和阿尔班·贝尔格。
伯克与生理崇高
它通常与悲剧、深刻和艺术苦难联系在一起，也成为勃拉姆斯支持者的一个代名词，因为他们称他为贝多芬(勃拉姆斯指出，贝多芬是“悲怆[和]崇高”)的继承者。
[1]浪漫主义后期毕德麦雅时期的典型例子是威廉·亨塞尔为他的妻子范妮·亨塞尔创作的画。
《鬼迷心窍》是由李宗盛作词作曲并演唱，发行于一九九二年的二月一日的歌曲，也是同年发行的电视剧《末代皇孙》的主题曲。假如你看过电视剧《末代皇孙》应该就会有所了解。
无忧无虑的公子哥护察端康遇上了格格纳兰如意。倘若早生几年，他们兴许还能够成就一段佳话。可是命运弄人，在那个动荡不安的年代，两人最终还是错过了，成了彼此，心中永远也挥之不去的痛。
你以为你错过的是一个人，其实错过的是一生的故事。在这部电视剧里面随处可见。于是你便懂得了这一句是鬼迷了心窍也好，是前世的姻缘也好。然而，这一切已不再重要。如果你能够重回我怀抱，原来这种这句话真正的意义是你斩不断的情思，是你剪不断的烦恼，是你怎么也逃不掉的命运。
不知道你心里是否也住着这样一个人，不敢说，不敢想，不敢告诉任何人想见，不能见，想忘忘不了，进一步没资格退一步，又舍不得。
一首鬼迷心窍，唱进了一个男人。千帆过境，回望自己来时的路，发现家人已去，欲求不得遗憾后悔的心情。如果此刻你还要纠结这首歌究竟是写给谁的，我只能说写下这首歌的那一年，李宗盛还没有遇到林忆莲，那位飞机上遇见的空姐，也只是李宗盛作为灵感臆想的一场邂逅。
李宗盛用一首歌便道尽了你一生的百战千回。年少不知李宗盛，再听已是不惑年。我有酒，你有故事吗？